Queen News Info

Az idei év egyik radar alatti esélyese a legjobb animációs film kategóriában a Little Nicholas című édes kis francia film. Középpontjában a főszereplő áll, aki leginkább a francia képregényekben való számos szerepléséről ismert, valamint alkotói, René Goscinny és Jean-Jacques Sempé. Míg Goscinny csaknem fél évszázaddal ezelőtt halt meg, Sempé csak néhány napig élt a múlt augusztusi 90. születésnapja után. A Little Nicholas egy elragadó és éleslátó animációs munka, amely éppúgy megvilágítja az illusztrátorok hátterét, mint a kézzel rajzolt sztárjuk…

Ennek a 82 perces filmnek a teljes címe: Little Nicholas – Boldog, ahogy lehet, ami elsősorban Nicholas optimista természetéről beszél, egy fiú, aki valójában nem tud annyit az életről, és általában egy felkiáltással fogadja az új információkat. „C'est chouette”, ami azt jelenti, hogy „nagyszerű!” vagy "Ez szép!" Bizonyos dolgok nem izgatják, mint például egy lány történetének bevezetése, mivel általában nem érdekli a lányok, de gyorsan belemelegszik a gondolatba, majd elkezdi elképzelni az esküvőjét valakivel, akit nem is akart. csak röviddel korábban találkozni.

VAGAD VAGAD VAGAD VAGAD VAGAD VAGAD

Jó látni, ahogy Nicholast bemutatják, amikor alkotója leül, hogy megrajzolja legújabb kalandját, és lelkesen kérdezősködik azokról a dolgokról, amelyeket még nem tud. Meg akarja tanulni a világot, és nagyon készen áll arra is, hogy kikérdezze a művészt a motivációiról, miért akarja, hogy Nicholas egy bizonyos helyzetben legyen, vagy hogy egy adott élményen menjen keresztül. Az ilyen pillanatokban lehetőség nyílik olyan érett tartalmak megvitatására, mint a nácizmus felemelkedése Franciaországban, amit Nicholasnak olyan témaként magyaráznak, amelyről nehéz beszélni egy gyereknek.

Nagyon élvezetes nézni Nicholast, aki az írógép billentyűi körül ugrál, és örömét fejezi ki a legújabb, új információ hallatán, szinte több, mint látni, ahogy visszatér barátságos képregényoldalaira, ahol a szülei küzdenek azért, hogy sorban tartsák, és ő azon kapja magát. túl könnyen eltereli a figyelmét, amikor az iskolai tanulásra kellene összpontosítania. De mindez megéri, és ez természetes módja annak, hogy Nicholast életre keltsük, amit néhányszor megcsináltak három élőszereplős filmmel és egy animációs tévésorozattal, amelyeket Franciaországban készítettek az elmúlt tizenöt évben.

Bár a Little Nicholas profilja nem biztos, hogy olyan magas (a hónap elején volt Oscar-selejtezője, és valamikor jövőre jelenik meg az Egyesült Államokban), mégis olyan külföldi animációs gyöngyszemnek tűnik, amely megtörheti az Oscar-díjat. verseny, mint az utolsó jelölt Franciaországból, az I Lost My Body. Vizuálisan 2D-s animációja kifejező és gyönyörű, az illusztrátorok Alain Chabat és Laurent Lafitte, valamint Nicholas szerepében Simon Faliu, valamint Ludovic Bource (A művész) zenéje. Azok, akik úgy nőttek fel, hogy olvasták a karaktert, valószínűleg további élvezetben részesülnek majd, hogy felismerhetik a vonásait és a történetszálakat abból a sok évből, amíg forgalomban volt. Ennek a filmnek a élvezetéhez azonban nincs szükség ilyen kontextusra, és azok, akik először látják Nicholas-t, nagyon otthon érzik magukat. B+

A filmplakátok már nem olyanok, mint régen. Ez nem esztétikai "minden jobb volt régen" panasz, hanem tény; nem annyira jelenlévő reklámerő, mint amikor egyetlen magas téglalap alakú kép és szlogen végezné el a reklámmunka nagy részét egy film meghatározásához. Most, hogy a munka többféle formában, képben és vizuális módban van szétszórva, beleértve a régi iskola plakátját is. A poszterek nem egy elveszett művészet, de a nagy Hollywoodban vannak, ahol minden posztert inkább filmsztárok förtelmes embertelen kollázsává varázsol, gondoljunk csak Frankenstein szörnyetegére, ha Dr. Frankenstein elkerülte a testrészeket, és csak több száz arcot használt fel nem megfelelő méretben az építkezéshez. élőhalott "embere".

OAMA OAMA OAMA OAMA OAMA OAMA OAMA OAMA OAMA OAMA OAMA OAMA OAMA OAMA OAMA OAMA OAMA OAMA

De elég panasz. Ünnepeljük azokat a plakátokat, amelyek az idei filmjeik mellett jártak...

Mielőtt eljutnánk a legjobb 12-hez (nyilvánvalóan a "legjobb" listája eltérő lehet, ezért beszéljen a válaszokban), kérjük, fontolja meg a poszterek egész zűrzavarát, amelyek felett behívhatja a második helyezetteket. A Women Talking teaser plakátja egy egyszerű vizuális gyorsítással ment a női szolidaritásra összekulcsolt kézzel, ami végtelenül jobb választás, mint a "nézd meg a híres színészeket!" a végső poszter megközelítése; A kedvcsinálók ilyen módon gyakran jobbak a kockázatnak és a magabiztosságnak köszönhetően, ami után a marketingcsapat alapértelmezés szerint valami biztonságosabb és végtelenül unalmasabbat választ a végső plakátnak. Guillermo del Toro Pinokkiójának főplakátja rendben volt, de a film valódi, kézzel készített szépségét jobban átadhatja poszter formájában, ha átadja egy másik művésznek, jelen esetben James Jeannek. Imádjuk az Elátkozott rémálom totemplakát kíváncsiság-felkavaró minimalizmusát – ez csak faragott ezüstfogak. A Nagy szabadság című börtöndráma, a Feltámadás című pszichológiai horrorfilm és az Ártatlanok természetfeletti thriller mind optikai rejtvényeket választottak, hogy közvetítsék sajátos atmoszférájukat, konfrontációs kérdéseikat és egzisztenciális nehézségeiket. És végül a Turning Red egy hangulatváltásra kész karaktersorozatot kínált, amelyben a főszereplő, Mei-Linn vörös panda alakjában sokféle arcot ölt. Vicces, szeretnivaló és aktuális, hiszen a film mindenki tinédzser korának káoszáról és hormonjairól szól.

De végül a választás, hogy elkezdjük a top tucatunkat, az...

12 BABILON
Egy szó szerint arany bacchanalia... Hollywood aranykorának megünneplésére. A Damien Chazelle-eposz kaotikus nyitóparti sorozatát választotta a plakátnak, ami helyes döntés volt. Középen egy káprázatos áldozati sztárcsillag/bárány nyilvános fogyasztásra... ahogy Nellie LaRoy (Margot Robbie) is ezt tenné. Legalábbis eleinte. De kölcsönözni egy címet az iparág egyik legkorábbi önreflexiós kísérletéből... "Milyen áron, Hollywood?" [Jelenleg moziban látható]

11 PETER VON KANT
Ahogy Jared Morabak alapvetően a filmszínpadon javasolja, ha François Ozon lopni akar Rainer Werner Fassbinder remekművéből, a Petra Von Kant keserű könnyeiből, miért ne lophatna el / tisztelgethetne előtte a plakát egy másik művésztől. ? Ebben az esetben a tervezők Andy Warholra riffelnek, aki filmplakátot készít Rainer Werner Fassbinder másik klasszikusához, a Querelle-hez. A körkörös hivatkozás egy furcsa oroborussá válik... nem villás nyelvű. [A legtöbb szolgáltatásnál bérelhető]

10 NELLY & NADINE
Ez az elismert leszbikus dokumentumfilm két nőről, akik egy koncentrációs táborban találkoztak, elnyerte a Teddy-díjat a Berlinalén. Bár sajnos nem került be az Oscar-döntőbe, elnyeri a nem hivatalos legjobb dokumentumfilm-plakát díjunkat ezért az egyszerű, alig látható dizájnért, a rácsok közül kibújó összekulcsolt kezekért. [Jelenleg moziban látható]

08 [nyakkendő] ELVIS & CORSAGE
Ez a két poszter csodálatos képzeletbeli duettet alkot. Elvis Presley (mindig ránézett) elveszett egyik saját kaotikus hadonászatában, ahogy néha elveszik saját történetében. Jó móka, hogy a káprázat és a csecsebecsék mind visszafelé mutatnak rá, hogy állandóan szem előtt tartsák. Eközben Sissi császárné (mindig ránézett) megvetően néz vissza ránk, kifordított madárral kiegészítve. Szúrós királyfi, ingerültsége pedig remekül erősíti az őt körülvevő dicsérő szavakat. Ez nem egy fülledt korabeli darab. [Az Elvis streamelhető az HBO Max-on, és a legtöbb szolgáltatásból bérelhető. A Corsage jelenleg mozikban van]

07 SZOMORÚSÁG HÁROMSZÖG
Ez durva? Fogadj! Mégis, van egy durva vizuális izgalom abban, hogy a gazdasági hiearchiák szatíráját (egyéb társadalmi konstrukciók mellett) egy abszurdan gazdag nővé redukáljuk, aki ránk hány. A kép felfokozott színe és élessége az, ami igazán eladja, még a hányás is tiszta arany. [Jelenleg moziban látható]

06 UTÁN
Míg a közönségnek hátat fordító főszereplők túlságosan is ismerős megjelenés a filmplakátoknál, az Aftersun megérdemli a választást. Megidézi a mov

A háborús filmek egyedülálló módon képesek megragadni a közönséget, elmerülve azok nyers érzelmeiben és megrázó élményeiben, akik átélték a csata káoszát. A „Danger Close: The Battle of Long Tan” egy olyan film, amely nemcsak a harc intenzitását mutatja be, hanem a leküzdhetetlen nehézségekkel küzdő katonák bátorsága és bajtársiassága előtt is tiszteleg.

  Bepillantás a történelembe: Long Tan csata

A "Danger Close: The Battle of Long Tan" egy erőteljes filmes ábrázolás a Long Tan csatáról, amely a vietnami háború egyik kulcsfontosságú szerepe volt. Ez a lebilincselő igaz történet 1966. augusztus 18-án történt, amikor egy kis ausztrál és új-zélandi haderő könyörtelen harcban találta magát egy sokkal nagyobb ellenséggel Dél-Vietnam dzsungelében.

  A cselekmény kibontakozik: Bátorság a viszontagságok közepette

A film bonyolultan szövi egybe a katonák tapasztalatait a konfliktus mindkét oldalán. Harry Smith őrnagy (Travis Fimmel) vezetésével az ausztrál csapatok, annak ellenére, hogy túlerőben voltak és túlfegyverezték őket, páratlan elszántságról és találékonyságról tettek tanúbizonyságot. Ahogy a csata tombolt, a katonák ragaszkodtak pozícióikhoz, és rendíthetetlen elszántságot mutattak a veszéllyel szemben.

  Vizuális realizmus: The Grit of War

A „Danger Close” mesterien teremti újra a háború zűrzavarát kavicsos és valósághű vizuális ábrázolásával. A sűrű dzsungel, a fülsiketítő lövöldözés hangjai és a csatatéren érezhető feszültség mind hozzájárulnak egy magával ragadó élményhez, amely a közönséget a konfliktus szívébe repíti. A film figyelme a részletekre, a fegyverektől az egyenruhákig hiteles réteget ad a történetmesélésnek.

  Az emberi oldal: Katonák ábrázolása

A film az akción túl a katonák személyes életébe és kapcsolataiba is belenyúl. Humanizálja őket, bemutatva félelmeiket, törekvéseiket és a köztük kialakuló kötelékeket a káosz közepette. Ez a megközelítés lehetővé teszi a közönség számára, hogy mélyebb szinten kapcsolódjon a karakterekhez, ami még hatásosabbá teszi áldozataikat és hősi cselekedeteiket.

  Az áldozat és a becsület témái

A „Danger Close” lényegében tisztelgés a katonák szolgálati teljesítése során hozott áldozatai előtt. A film rávilágít a katonák között kialakuló bajtársiasságra és arra, hogy milyen hosszú ideig igyekeznek megvédeni bajtársaikat. Ez az emberi lélek ellenálló képességének és a legszélsőségesebb körülmények közötti bátorságnak a bizonyítéka.

  Gyakran Ismételt Kérdések (GYIK)

1. A "Danger Close: The Battle of Long Tan" igaz történeten alapul?
    Igen, a film a Long Tan-i csata valós eseményein alapul, amely a vietnami háború során jelentős szerepet játszott.

2. Mitől olyan figyelemre méltó ez a csata?
    A Long Tan-i csata figyelemre méltó egy kis ausztrál és új-zélandi haderő bátorsága miatt, amelyet egy sokkal nagyobb ellenséggel szemben tanúsítottak.

3. Hogyan ragadja meg a film a háború intenzitását?
    A film valósághű látványvilágot, magával ragadó hangtervezést és katonák hiteles ábrázolását alkalmazza, hogy visszaadja a csata intenzitását.

4. Vannak a filmben a bajtársiasság pillanatai?
    A film egyértelműen a katonák között kialakult kötelékeket és egymás védelmében való megingathatatlan elkötelezettségüket kutatja.

5. Mi a jelentősége a „Veszély bezárása” címnek?
    A „veszély közeli” tüzérség behívására vagy légicsapásokra utal veszélyesen közel a baráti csapatokhoz, ez a taktika a csata során.

  Befejezésül: Tisztelgés a vitézség és az áldozat előtt

A „Danger Close: The Battle of Long Tan” több, mint egy háborús film; ez egy megrendítő felfedezés az emberi szellem kényszer alatt. A csata borzalmával szembesültek hősies cselekedeteinek elbeszélésével a film megörökíti a katonák bátorságát és áldozatkészségét, akik egységesen álltak a veszéllyel szemben. Lebilincselő történetmesélése és hiteles ábrázolása révén a film arra hív, hogy elgondolkodjunk a bátorságon, amely mindannyiunkban lakozik, még a legveszélyesebb helyzetekben is.

A mozi elbűvölő világában, ahol a képzelet nem ismer határokat, bizonyos történetek maradandó bájjal vésődnek a szívünkbe. Az egyik ilyen mese, amely generációkon át lenyűgözte a közönséget, a "Dumbo". Ez a szívmelengető film, amelyet a Disney mesteri történetmesélése kelt életre, túllép az időn és a téren, hogy a diadal, az összetartozás és az önfelfedezés üzenetét közvetítse.

  Egy értékes számkivetett utazása

A "Dumbo" magával ragadó utazásra visz minket egy túlméretezett fülekkel született fiatal elefánt életén keresztül. Ez az egyedülálló fizikai tulajdonság azonnal számkivetettvé teszi Dumbót, akit nevetségessé tesznek és elszigetelnek cirkuszi társaitól. Útját követve tanúi lehetünk a küzdelmeknek, amelyekkel szembe kell néznie, milyen barátságok kötnek ki, és milyen kihívásokat kell legyőznie.

  Az érzelmek szimfóniája

A film mesterien szövi egybe az érzelmek szimfóniáját, könnyedén megrántva szívünk húrjait. A Dumbo kezdeti küzdelmeitől érzett szívfájdalomtól kezdve a látvány öröméig, ahogy egyedülálló ajándékát kihasználva magasan szárnyal, minden pillanat tele van érzelmekkel. A különbözőségek felkarolása és erősségekké alakításának visszhangzó témája minden korosztály számára megérinti a nézőket.

  Felejthetetlen karakterek

A "Dumbo" vonzerejének központi eleme a felejthetetlen karakterek. Timothy Q. Mouse, Dumbo lelkes és támogató társa, kulcsszerepet játszik abban, hogy a sorsa felé terelje őt. Kettejük megrendítő kapcsolata rávilágít az őszinte barátságok fontosságára, amelyek táplálják az ember potenciálját. A film emellett számtalan cirkuszi szereplővel is megismertet bennünket, mindegyik a maga furcsaságaival és történeteivel, mélyebbé téve a narratívát.

  A képek kaleidoszkópja

A vizuális történetmesélés tetőpontján, a "Dumbo" a képi kaleidoszkópot mutatja be, amely az emlékezetben marad. A cirkuszi sátrak élénk árnyalataitól a Dumbo repülésének éteri jeleneteiig az animáció egy olyan birodalomba repít bennünket, ahol az álmok repülnek. A film azon képessége, hogy zökkenőmentesen ötvözi a szeszélyes elemeket a szívhez szóló pillanatokkal, a Disney páratlan mesterségbeli tudásáról tanúskodik.

  GYIK rész

1. kérdés: A Dumbo igaz történeten alapul?
Nem, a "Dumbo" nem igaz történeten alapul. Ez egy fikciós mű, amelyet a Walt Disney Productions készített.

2. kérdés: Ki adja a hangot Timothy Q. Mouse-nak?
Timothy Q. Mouse hangját a tehetséges színész, Edward Brophy adja.

3. kérdés: Mi a jelentősége Dumbo tollának a filmben?
Dumbo tolla a bizalom szimbolikus forrásaként szolgál. Dumbo hisz abban, hogy tud repülni, ha tartja, bemutatva az önbizalom erejét.

4. kérdés: Mikor jelent meg először a "Dumbo"?
A "Dumbo" először 1941. október 23-án jelent meg.

5. kérdés: Hogyan tárja fel a film az elfogadás és az önfelfedezés témáit?
A film ezeket a témákat tárja fel Dumbo utazásán keresztül, melynek célja, hogy legyőzze nézeteltéréseit és megtalálja igazi erejét, miközben rávilágít a támogató kapcsolatok fontosságára.

  Zárva

A "Dumbo" nem csak egy film; ez egy maradandó örökség, amely továbbra is megérinti a szíveket és a lelkeket. Időtlen narratívájával, felejthetetlen karaktereivel és vizuális ragyogásával átlép a kor és az idő határain. Amikor elindulunk Dumbo útján, eszünkbe jut, hogy a különbségeink tesznek minket rendkívülivé, és az álmaink azok a szárnyak, amelyek az egekbe vihetnek bennünket. Legyen tehát Dumbo repülése emlékeztető arra, hogy mindannyiunkban rejlik az az erő, amellyel legyőzhetjük félelmeinket és elérhetjük a csillagokat.

A modern mozi birodalmában a mesék varázslatos és gyakran rejtélyes világát számtalan módon újragondolták és újjáélesztették. Ennek a kreatív újjáéledésének egyik ilyen megtestesítője a "Maleficent: Mistress of Evil" című film, egy sötét fantázia, amely egy klasszikus mese új perspektíváját kínálja. A 2019-ben bemutatott „Maleficent” című 2014-es film folytatásaként ez a film mélyen elmélyül a főszereplő, a Maleficent pszichéjébe, és az identitás, az anyaság, valamint a jó és a rossz közötti elmosódott határvonalak témáit kutatja.

Egy csavar a hagyományon

A "Maleficent: Mistress of Evil" folytatja Maleficent történetét, akit Angelina Jolie remekül alakított, és feltárja Aurora hercegnővel (Elle Fanning) való kapcsolatának bonyolultságát. Míg az eredeti, 1959-es Disney-animációs film, a "Csipkerózsika" egydimenziós gonosztevőként festette le Maleficent-et, az első "Maleficent" film alapozta meg a karakter árnyaltabb ábrázolását, feltárva a tettei mögött meghúzódó okokat és a szívfájdalmat, amely miatt őt elvezette. a sötétség ösvényén.

A folytatás tovább viszi ezt a felfedezést, belemerül Maleficent küzdelmébe, hogy meghatározza identitását, és megtalálja helyét egy olyan világban, amely gyakran félreérti őt. A film bevezeti a közönséget a mágikus lények rejtett társadalmába, és szembeszáll az ősrégi előítéletekkel és diszkriminációval, amely gyakran sújtja azokat, akik mások. Miközben Maleficent ezen a világon navigál, kénytelen szembenézni saját, a jóról és a rosszról alkotott előzetes elképzeléseivel, ami egy lebilincselő belső konfliktushoz vezet, amely a narratíva nagy részét mozgatja.

Az anyaság összetettsége

A "Maleficent: Mistress of Evil" középpontjában az anyaság témája áll. Maleficent váratlanul anyai szerepben találja magát, miközben megpróbálja megvédeni Aurorát azoktól a veszélyektől, amelyek akkor merülnek fel, amikor a fiatal hercegnő eljegyzi Phillip herceget (Harris Dickinson). Ez a fejlemény kapcsolatba hozza Maleficentet Ingrith királynővel (Michelle Pfeiffer), egy félelmetes antagonistával, aki megtestesíti az emberek és a mágikus lények között fennálló előítéleteket.

Maleficent és Ingrith királynő összecsapása a hagyományos anyai alak és a védelmező, de nem szokványos gyám közötti feszültséget tükrözi. Maleficent átalakulása sötét varázslóból a szeretet és a védelem figurájává egy magával ragadó evolúció, amely rávilágít az anyaság sokrétű természetére és arra, hogy az hogyan képes túllépni a hagyományos szerepeken és meghatározásokon.

Vizuális látvány és éteri világépítés

Vizuális szempontból a "Maleficent: Mistress of Evil" remekmű. A film elmeríti a nézőket a varázslat és a csoda lélegzetelállító világába, amely tele van szárnyaló tájakkal, bonyolult jelmezekkel és lenyűgöző effektusokkal. A világépítés ékes bizonyítéka a kreatív csapat elhivatottságának, hogy életre keltse ezt a fantasztikus birodalmat, bemutatva a technológiai fejlődés és a művésziség házasságát.

A film univerzumában élő misztikus lények mélységet adnak a narratívának, a sokféleség, az egység és a különböző csoportok közötti harmónia lehetőségének metaforáiként szolgálnak. Minden lény egyedi tervezésű, hozzájárulva a film esztétikájának általános gazdagságához.

A jó és a rossz örök kérdése

A "Maleficent: Mistress of Evil" végső soron megkérdőjelezi a jó és a rossz fogalmát. Ahogy a narratíva kibontakozik, világossá válik, hogy ezek a dichotóm címkék nem elégségesek az emberi természet és az erkölcs bonyolultságának beágyazásához. A szereplők motivációit és cselekedeteit számtalan tényező vezérli, a félelemtől és az előítéletektől a szerelemig és az önfenntartás vágyáig.

Az erkölcsi kétértelműség e feltárása egy klasszikus tündérmese felfrissülését kínálja, és arra készteti a közönséget, hogy megkérdőjelezze feltételezéseit, és mérlegelje a való világban létező szürke területeket. Arra ösztönzi a nézőket, hogy tekintsenek túl a felszínes ítéleteken, és empatikusabb perspektívát fogadjanak el.

Következtetésképpen

A „Maleficent: Mistress of Evil” a történetmesélés azon erejének bizonyítéka, amely még a legismertebb narratívákat is átalakítja és megfiatalítja. Rejtélyes főhősének rétegeit lehámozva, az identitás, az anyaság és az erkölcs komplexitásának témáiba mélyedve a film nemcsak vizuális látványával ragad meg, hanem mélyebb érzelmi és intellektuális szinten is elköteleződik. Emlékeztetőül szolgál, hogy minden mesében rejtett mélységek várnak felfedezésre, és minden szereplőben több van, mint amilyennek látszik.