Queen News Info

Ma van az a nap, amikor a biztosítékok kiválasztását vizsgáljuk, nem olyan szívesen. Ahogy a Cannes-i Napló #1-ben említettük, idén a fesztivál szervezete megváltoztatta a jegyértékesítési rendszert. Ezzel véget ért a hosszú sorok (győzelem), de a hátránya az, hogy a felkapottabb filmekbe nehezebb bekerülni. Ennek ellenére örömmel jelenthetem, hogy a kísérletezésem nagyon jól sikerült! Az igazat megvallva az Un Certain Regard szekció aligha tekinthető „biztosítéki” rovatnak, hiszen híresen magas színvonalú válogatást kínál a hamarosan nagy szerzőktől. Ironikus módon a nap legnagyobb csalódása volt, az egyetlen cím a főversenyről, amelyre a negyedik napon jegyet tudtam szerezni...

AMIKOR VÉGEZTE A VILÁG MEGMENTÉSÉT Jesse Eisenberg (USA)
KRITIKUSOK HETE

Erős Gerwig’s Ladybird hangulat ebben, ami először a Sundance-en mutatkozott be. De bevallom, még jobban élvezem Jesse Eisenberg rendezői debütálását a magasabb szintű nárcizmus miatt. Az Amikor befejezed a világ megmentését egy vígjáték egy háromtagú családról, akik teljesen magukba merülnek, együtt élnek, de ugyanakkor érzelmi szinten egyáltalán nem tudnak kapcsolódni.

Finn Wolfhard és Julianne Moore egy fantasztikus, lendületes páros, akik egy anyát és egy fiút alakítanak, akik olyan kétségbeesetten próbálják megtalálni egy idegenben azt, amit a családjuk nem nyújt: nem szeretetet, hanem csodálatot, hedonizmusuk üzemanyagát. A fia, Ziggy dalszerző és élő közvetítő, aki még iskolába járásakor is hordja az áruit. Őrülten beleszeretett egy politikai aktivistába a középiskolájában, de még kevesebbet tud, mint Jon Snow. Már a vele való beszélgetés is lehetetlen feladatnak bizonyul, aláhúzva, hogy Ziggy mennyire képtelen valami önmagán kívülre összpontosítani.

https://www.artstation.com/manjandasf3/profile

https://www.artstation.com/gegejarkan2/profile

https://www.artstation.com/user-385127/profile

https://www.artstation.com/original-exhuma-subversion-zhtw1/profile

https://www.artstation.com/exhuma-fullstream-zh-taipei-taichung3/profile

Az anya Evelyn menhelyet épített a családon belüli erőszak áldozatainak, és egész élete a mások megsegítésén alapul. Mégis annyira merev és elmerült „küldetésének” komolyságától, hogy a titkárnője félti a munkáját, amikor a főnök megpróbál szótlanul beszélni. Moore és Wolfhard egyszerűen eladja az egész csomagot, lévén Eisenberg proxyja, akinek komikus érintése (még a beszédmódja is) mindig érzékelhető. Az egyetlen kiábrándító dolog ebben az A24 indie vígjátékában a rendező által választott inkoherens befejezés, amely két tisztességes emberi lényt fedez fel két hedonista szörnyetegben.

CORSAGE, Marie Kreutzer (Ausztria)
NEM BIZTONSÁGOS TEKINTETTEL

Marie Kreutzer szellemes, kifinomult kosztümös drámája (ennél az írásnál) messze a kedvencem a 2022-es Cannes-ban. A Corsage Sissi osztrák császárné életének utolsó éveinek elbeszélése. Ugyanabban az időszakban játszódik, mint Kirill Szerebrennyikov Csajkovszkij felesége című versenyfilmje. A Corsage-ban a 40 éves, darázsszerű derekú Erzsébet császárnőt figyeljük meg. Mindenki kötetlenül kommentálja korát, súlyát és viselkedését. Még a kislánya sem fog sírni az anyja előtt, mert „nem udvarias”. Elisabeth szomorú, melankolikus királyfi, aki soha nem gyógyult fel teljesen egyik gyermeke halálából, és gyakran vannak öngyilkos gondolatai. Lényegében egy jó hercegnő, aki elromlott. Valójában leckéket tudna tanítani Sofia Coppola Marie Antoniette-jének, hogyan viselkedjen királyilag helytelenül. Egyes kritikusok talán úgy találják, hogy Corsage túlságosan elégedett a saját szellemességével, de én szerettem a bonyolultságot és az ellentmondásokat.

Elisabeth-et megfojtja a felette ítélkező világ, ezért böjtöléssel próbálja visszaszerezni az irányítást élete felett, a végletekig viszi karcsúságát. Cserejét látni és imádni kell azoknak az embereknek, akik vágynak rá, vagy csodálják szépségét. Nem számít, hogy kit vagy miért keresnek, neki ez mindegy; megtalálhatja férje vagy szeretői szemében, kis cseléd- és bizalmastanácsában, sőt még a menhelyen lévő nőknél vagy a frontvonalon sebesült katonáknál is. Annyira szeszélyes és manipulatív, amennyire csak lehet. És mégis, bár úgy tűnik, jobban szereti a kutyáit, mint az embereket, jó anya, felejthetetlen szerető és jó politikus lehet. Vicky Krieps (Phantom Thread) fenomenális ebben a szerepben. Corsage-nek a főversenyen kellett volna szerepelnie; a vetítés végén elhúzódó éljenzés bizonyítja.

AZ IDEGEN – Thomas M. Wright (Ausztrália)
NEM BIZTONSÁGOS TEKINTETTEL

Ha egy igazi krimi alapján készült Fincheres, Prisoners thrillerre vágyik, ez az ausztrál film Joel Edgertonnal az lesz, amit keres. A komor prológus egy thrillerhez vezet, tele kemény férfiakkal, akik szörnyű titkokat vagy mély traumákat rejtenek éles tekintetük és hosszú szakálluk mögött. Itt a lényeg annak a felfedezése, hogy pontosan milyen típusú szervezet örvendeztette meg az ugyanilyen titokzatos Henryt (Sean Harris), így elég azt mondani, hogy hihetetlen, mégis igaz történetet mesél el. Az Idegenből hiányzott a narratív mélysége vagy a művészi érintés ahhoz, hogy áttörő cím legyen a jól lakott műfaján belül, de meglepően csiszolt és ambiciózus.

A soron következő tiszteletbeli Oscar-díjasokat néhány darabbal ünnepeljük karrierjükről.

írta: Cláudio Alves

Néha egy film olyan nagyszerű, hogy megfosztja a szavakat, szótlanul hagyja az embert, és elnémít az áhítattól. Kicsit több mint két év telt el azóta, hogy elkezdtem írni a The Film Experience számára, és ezalatt az idő alatt megtiszteltetés számomra, hogy a valaha látott legjobb moziművekről írhattam. Ingmar Bergman Personája mindegyiket felülmúlja, és ha szembesülünk a csodájával, nehéz bármit is megfogalmazni. Talán egyetlen másik filmet sem vizsgáltak ennyire fáradhatatlanul a kritika történetében, ami lehetetlenné teszi, hogy bármi újat vigyünk a vitába. Mégis titokzatos marad, olyan elbűvölően megismerhetetlen, mint amikor 1966-ban bemutatták. Megpróbálni és írni róla őrjítő gyakorlat.

Ennek ellenére Liv Ullmann ünneplése nem lenne teljes anélkül, hogy megemlítenék a művészi együttműködés első alkotását, amely legendáját kovácsolta, és amely öröksége középpontjában áll…

Amikor egy ilyen bonyolult objektummal, mint a Persona, foglalkozunk, talán azzal kellene kezdeni, hogy leírjuk, mi történik a képernyőn. A prológus a mozi furcsa hallucinációjának a színterét állítja elő, amikor egy fiú a hullaház födémén ébred fel, és olyan interakcióba lép a vetített képekkel, mint két nő szétszórt arcképe. Az álomszerű bevezető után a narratíva rendesen kezdődik, középpontjában Elisabet Vogler, egy színpadi színésznő áll, aki egy éjszaka összeomlott. Ami először alig kontrollált késztetésként nyilvánult meg, hogy elkezdjen nevetni egy komoly jelenet során, az közel katatóniává fajult. Vagy nem tud, vagy nem tud beszélni, a működő tudatosság állapotába süllyed, és alig vagy egyáltalán nem kommunikál.

Úgy tűnik, senkinek sincs magyarázata a betegségre, és sem Bergman, sem Ullmann soha nem fog olyan választ adni, amely feltárja a rejtélyt. Erzsébet orvosa, mivel nem látja a testi akadályokat vagy a mentális betegségek jeleit, kiküldi az országba Almával, egy fiatal nővérrel, akit a színésznő gondozására bíztak. A semmi közepén elveszett házikóba zárt nők sajátos dinamikát kovácsolnak. Alma megállás nélkül beszél, mintha a csendben tátongó űrt akarná kitölteni. Mesél az életéről, a történelméről, olyan intim részleteket oszt meg, amelyek túl személyesnek tűnnek ahhoz, hogy hangot adjanak. Elisabet nézi, ugyanazt a csendet, ugyanazt a falánk űrt testesíti meg. Hallgat és hallgat, elengedett szórakozással, egy csipetnyi leereszkedéssel tanulmányozza Almát.

A film felénél Elisabet levelet ír férjének. A felbontott borítékot megtalálva az ápolónő ráönti a beírt szavakat, és rájön, hogy mennyire tekintik őt a vizsgálat tárgyának, egy furcsán gyenge személyiségnek, akit érdemes megvizsgálni. A kinyilatkoztatás után Alma megkeserül, tele van tűzzel és dühvel. A hangos viták erőszakkal való fenyegetésig fajulnak. Az egykor kígyózó monológokkal teli csendet most vádaskodások, metsző döfések, kifújt kínok szabdalják. Pillanatok alatt a szöveg zavarossá válik, Alma olyan szavakat fejez ki, amelyek úgy érzik, hogy Elisabethez tartoznak. Amikor az a távoli férj rövid látogatásra jön, nemcsak színésznőként kezeli Almát, de úgy tűnik, képtelen elismerni két különálló entitás jelenlétét.

https://mekbxw9256.expandcart.com/index.php?route=product/product&product_id=373

https://pgsqdc9454.expandcart.com/index.php?route=product/product&product_id=373

https://trqrrc7588.expandcart.com/index.php?route=product/product&product_id=373

https://etezks5405.expandcart.com/index.php?route=product/product&product_id=373

https://kfdpjr1186.expandcart.com/index.php?route=product/product&product_id=373

https://pastelink.net/n6so1xz1

https://tautaruna.nra.lv/forums/tema/55823-vsdgawrginaemwioga-gkjnvdiugnaewgwe-mgjiaew-tauowef-mm3iowg-mkdgwebsdb/

https://okwave.jp/qa/q10235318.html
 

És ekkor érkezik a Persona leghíresebb színteréhez. Alma bűntudatban és önutálatban átitatva elképzel egy élettörténetet Elisabetnek, és elmeséli a másik nőnek. Lényegében tanúi lehetünk annak, hogyan reagál egy gyenge személyiség egy sokkal erősebb gravitációs erejére, és kivetítéssel támadja meg a húzóerőt. A nővér úgy képzeli el, hogy a színésznő életrajza a saját gyötrelmeit tükrözi. Ez egy eltorzított tükre a szexuális mulatságokról és a megbánt abortuszokról szóló történeteknek, amelyeket egykor megosztott azzal a nővel, akit barátjának tartott, esetleg testvérének. Így a gyengébb identitás összetörik, töredékeit az erősebb körül alakítja át, és végre megtalálja a módját, hogy megoldja a nehézségeit. Alma a legrosszabbat látja Elisabetben.

A jelenet kétszer történik, egyszer a kamera Elisabetre néz, majd Almával a kép közepén. Egy utolsó kísérteties kép írásjelként szolgál, a női arcok egy optikai effektuson, egy rejtélyes kimérán keresztül egyesülnek. Az ördögűzés után a vámpír Elisabeth elhalványulni látszik, ahogy Alma dominál. Az erőviszonyok felborultak, a nővér elhagyja a házikót. Soha nem tudjuk pontosan, mi történik Elisabettel. Utoljára a kórházban látjuk őt, kimerült arca fölött a celluloid ködön át lebeg a tükröződő mosolyok emléke. Mindebben a kamerák játszottak nagy szerepet, csakúgy, mint a hirtelen feltörő meta-mozi zavarok – leégett tekercsek, elmosódott lencse, és még a gépezetét kezelő operatőr villanása is.

Lényegében ez egy egyszerű film, egy szigetszerű kamaradarab, amely szinte kizárólag monológokból áll, és Ullmann Elisabet hallgatja. Bibi Andersson hangja uralja a hangzási dimenziót, de ez a filmes arcok közeli pas-de-deux-ja.

Ingmar Bergman 1968-as Shame című filmje Liv Ullmann egyik legnagyobb alakítását mutatja be. Ez volt a harmadik együttműködés a két művész között, és a film Bergman nem hivatalos „Sziget-trilógiájának” a középső része, amely a Farkas órájával kezdődött és Anna szenvedélyével zárult. Ullmann arca olyan, mint a film arca: a szépség teljesen megsavanyodik…

A film maga a lényegi Bergman, gyönyörű, festői széles felvételekkel (a operatőr, Sven Nykvist lenyűgözően megörökítette), a hermetikusan lezárt univerzum, és a szerző gyakori témái a magány, az elszigeteltség és az erkölcsi hanyatlás. A tökéletes randevúfilmed (ha utálod a randevúzást).

Bergman munkája ezen a képen mesterien irányított. Ullmann és Max von Sydow házas zenészeket játszanak a „város” filharmóniájából, akik a „szigetre” költöztek, hogy elkerüljék a „háborút”, amely elkerülhetetlenül eléri őket. Az idézetek mind a tényleges, mind a metaforikus szférát jelzik, mivel a film mindenkor mindkét univerzumban működik: amit tapasztalunk, az teljesen valóságos, de egyben homályos és szimbolikus is… és Bergman mindezt páratlan módszerével teszi, hogy szorosan megragadjon. a film tetején, és soha nem engedi el.

A film három részre oszlik (mielőtt a háború elérné a párunkat; a megrázó középső rész, ahol bombázzák és terrorizálják őket; és a végkifejlet)… és ez a három fejezet lehetővé teszi mindkét színész számára, hogy koncentrált és fájdalmas ívet rajzoljon meg karaktereik számára. Von Sydow a rá jellemző ragyogást fejti ki, hihetően a gyenge esztétából az erkölcstelen vadállattá válik, és munkája zökkenőmentesen illeszkedik Ullmann kisebb, de annál igényesebb útjára a határozatlanságból a kilátástalanságba.

A kép elején van egy csodálatos jelenet (nyilván a két színész improvizálta, Bergman esetében ritka), ahol Ullmann leírja, hogy folytatja az olasz nyelvtanulást, és gyermeket szül von Sydowtól. Míg a két színész egy olyan kapcsolatban kezdi a filmet, amely csipkés és nem idealizált, elkerülve az általános boldogság vagy a nyomorúság minden közhelyét, ebben a korai jelenetben megértjük, hogyan lehet a pár a legjobb, legszeretetesebb…

https://github.com/TAIWAN-THE-BIRTH-OF-KITARO-4K-SUB-ZH

https://github.com/the-birth-of-kitaro-fe32tn8hnomfefw2gg

https://github.com/THEBIRTHOFKITARO-FULL-VERSE-TW

https://github.com/ROBOTDREAMS-CHINNES1-TAIPEI-UTAH

https://tautaruna.nra.lv/forums/tema/55820-dfgseyh34hne-csifqewgmwe-wrgiq3mtowet2-4t4ktowkgt3tmhkwirngsd/

https://okwave.jp/qa/q10235281.html

https://pastelink.net/hianv02k

https://cursedpaynews.com/in-the-glitz-and-glamour-of-awards-season-supporting-actresses-cpn/

https://cursedpaynews.com/ingmar-bergmans-1968-film-shame-features-one-of-liv-ullmanns-cpn/
 

Ez sokkal jobban befolyásolja azt, ami a kapcsolatukra vár. Ullmann elbűvölő ebben a pillanatban, olyan sugárzóan, hogy Bergman az egész jelenetet szerkesztés és fordított kép nélkül mutatja be von Sydowhoz. A percekig tartó csere közben csak a hátát látjuk, és előadóként megragad minket az egyszerűsége és a sebezhetősége. Ullmann egy fenséges kétértelműséget ragad meg: karaktere tényleg elhiheti, amit mond, vagy lehet, hogy vicceli magát. Akár képzelet, akár valóság ennek a nőnek, Ullmann megemeli a drámai tétet.

Ullmann a kép második harmadán a rémület és a zűrzavar váltakozó állapotában megy keresztül, tökéletesen megragadva azt, amit egy kulturált, kozmopolita művész átélhet, ha tényleges erőszakba és politikába taszítják. Ullmann lehetővé teszi számunkra, hogy szemtanúi lehessünk karaktere fiatalságának elvesztésének (úgy tűnik, fizikailag megöregszik a film ezen része alatt), és ezt a fejezetet használja az utolsó ütések beállítására.

A film utolsó harmadában Ullmann hagyja, hogy ez a fiatal, tehetséges, intelligens karakter egyszerűen szétessen és összetörjön, ahogy férje viselkedése felülmúl minden általa átélt rettegést. Ullmann ezt anélkül teszi, hogy gyengévé vagy lágyabbá válna: ő ennek a házasságnak a mozgatórugója, a realista és az erős. Van egy hihetetlen pillanata, amikor egy von Sydow-val történt fordulópont után rövid időre sírva fakad. Valahogy azt teszi, hogy a kitörés a semmiből és mégis valahonnan nagyon konkrétan jön létre egyszerre. Kiáltása nem a gyengeség pillanata, hanem egy józan próbálkozás, hogy mindent egyben tartson.

A munkája, amelyet Bergman másik múzsájával, Von Sydow-val végez, különösen megrendítő, mert ahogy a férfi a szégyen előrehaladtával egyre mélyebbre megy egyfajta költői állapotba, a nő megduplázza a megalapozottságot. Ez a súrlódás a színészi játékukban rendkívül jól működik, és Bergman arra készteti őket, hogy valóban végigmenjenek. Ez egy csodálatos pas de deux, amely több mint kilencven percig tart.

A Shame valóban egy kis remekmű, és méltó példája annak, hogy Bergman mire volt képes Ullmannból, és kölcsönösen mit volt hajlandó adni neki magából. A forgatás idején a húszas évei végén járó Ullmann már mélyen ismerte az emberi pszichológiát, a bonyolult viselkedési dichotómiákat, és azt, hogy hogyan kell ezeket olyan tiszta tisztasággal eljátszani, hogy egyszerűen megtudjuk, hol van a karaktere, ha megnézzük azt a páratlant. arc.

Judy Garland maradandó legendája nemcsak a „Világ legnagyobb szórakoztatója” címének köszönhető, hanem zaklatott, képernyőn kívüli életéről is. Nem arról van szó, hogy a szomorúságnak, a függőségeknek, a tragédiának és/vagy a korai halálozásnak jobban le kellene nyűgöznie a közvéleményt, mint maga a mű, de az tény, hogy gyakran igen (lásd még Clift, Monroe, Ledger, Dean, Leigh és sok más sztár az egészben történelem). Judy küzdelmei csak még borzasztóbbá teszik hihetetlenül transzcendens munkáját a koncerttermekben és a mozivásznokon; ritkán látni mást, mint megawattos tehetséget és profi varázslatot. Ez nem egészen így van a Summer Stock (1950) esetében, ami anomáliává teszi a filmográfiáját. Ritka kíváncsi pillantás a Garlandra a varázslatában, mint egy pislákoló, de pompás fény. Egy ideig még az is fenyegetett, hogy ez lesz az utolsó képe...

Summer Stock, vagy ha Dorothy Kansasben maradt volna, és átvette volna a farmot.

A Gene Kelly és Judy Garland utolsó nagy képernyős párosításában (a For Me and My Gal és a The Pirate után) a még mindig felemelkedő Kelly egy sima beszédű utazó színészt alakít, akivel az árva szülővárosi lány, Judy keveredik, és elsodorja a lábáról. Pontosan ez a váza kapcsolatuknak a Kalózban, bár a filmek aligha különböznének egymástól. Ez utóbbi egy hallucinációs fantázia, de ez tényszerű és megalapozott. Judy egy romantikus álmodozó, aki veszélyt és izgalmat keres a Kalózban, de a Summer Stockban egy makacs kisvárosi nő, aki szeret a szüleitől örökölt farmon dolgozni. Más szóval, ez a lány azt tervezi, hogy Kansasben marad, függetlenül attól, hogy mennyi Ózot dobsz rá.

Lépj be Gene Kelly-be, mint röpke nővére New York-i pasija, aki a városba jön, hogy musicalt állítson színpadra Judy óriási, üres pajtájában. Reméli, hogy felkeltheti a Broadway producerek érdeklődését. Judynak eleinte semmi, és többször is azzal fenyegetőzik, hogy kidobja Kellyt és csapatát. Túlságosan el van foglalva azzal, hogy aggódjon elkényeztetett húgáért (Gloria de Haven), a mezőgazdasági adósságaiért és a fiús, kócos menyasszonyáért (Eddie Bracken), akit nyilvánvalóan nem szeret.

egy apró pillantás a Summer Stock második legjobb számából – Kelly szólótánca

Egy mérföldnyire vidékről láthatja, merre tart a Summer Stock, de még mindig jó ámulatba ejtő móka odaérni, különösen, ha Gene Kelly a fő kísértés a fénykorában.

Charles Walter, aki a Húsvéti parádéban nagy sikerrel rendezte a Garlandot, ismét a kamera mögé állt. A zenei előadások száma jól meg van lőve (két furcsa vágástól eltekintve – volt-e probléma a felvétellel?), és néha szárnyalnak. A "Dig Dig Dig for Your Dinner" egy energikus hamis spirituális szám Kellyvel az asztallapokon táncolóval, a "Portland Fancy"-ban hirtelen felvillanó zökkenőmentes tánccal, valamint a sztárok romantikus duettjével, a "You Wonderful You"-val, amelyet később a filmben is megismételnek. egy ötletes szólótánc Kelly számára, mind izgalmasak. Ez nagyrészt Gene Kelly koreográfiájának, az Oscar-díjas Harry Stradling Sr operatőri munkájának köszönhető (aki éppen az A Streetcar Named Desire című filmet készült forgatni), és természetesen Kelly és Garland becsületes ajándékainak, táncosként és énekesként egyaránt. Walter több bölcs döntést is hoz a kamera mögött, ezek közül a legjobb a sorozatfelvétel Judy „Friendly Star” balladája alatt, amely Judytól Gene Kelly-hez sodródik, aki hallgatja, elragadtatja, majd vissza Judyhoz, ahogy befejezi a dalt, és észreveszi, hogy Kelly nem szándékos. közönség. Összességében a kép csúcspontjai miatt ez alulértékelt cím a filmográfiájában.

Ha több mint három Garland & Kelly kép lenne!

Ennek ellenére néhány eufórikus pillanat ellenére látható, ahogy Garland úgy küzd, ahogy korábban nem. Szemei mániákusabbak, mintha érzelmi hangsúlyozásra törekedne – ez általában annyira szerves –, és nincs mindig „bekapcsolva” a párbeszédes jelenetekben. Súlya is jelenetről jelenetre ingadozik. Ez nem lenne annyira feltűnő (még mindig vihart tud táncolni), ha nem lenne az ikonikus „Get Happy” szám, amelyet két hónappal a többi jelenet után forgattak, miután Garland szünetet tartott és húsz kilót fogyott. A "Get Happy" a Garland varázslat védjegye, minden gesztusban elektromos szikra van, minden dalszöveg érzelmileg eleven, és minden ütem zenei örömet hordoz.

A filmet 1950 augusztusának végén mutatták be, de addigra már kirúgták a Royal Wedding (1951) folytatásos filmjéből, és az MGM nem sokkal a Summer Stock megnyitása után felmondta a szerződését. A stúdiónak, ahol egész karrierjét töltötte, elege volt. Szerencsére a Garland-rajongóknak világszerte és a jövő Garland-rajongóinak ez nem jelentette látványos karrierjének a végét. Végül is el kell menned, hogy visszatérj, és néhány év múlva egy nagyszerűt is vártak.

Anne Hathaway Cannes-ban van, hogy részt vegyen James Gray Armageddon Time című memoárdrámájának premierjén. Rebecca Hall esküdt és a cannes-i bollywoodi szupersztár, Aishwarya Rai is a vörös szőnyegen vonult be. Sheila Atim, aki emlékszik, most nyerte el az Olivier-díjat, nagyon jó évet zár. Idén ő volt a színésznő tiszteletdíja a Chopard éves cannes-i ceremóniáján, amelyen minden évben egy férfi és egy női sztár kerül a középpontba (idén Jack Lowden volt a férfi győztes). A négy legutóbbi színésznő nyertes: Anya Taylor-Joy (2017), Elizabeth Debicki (2018), Florence Pugh (2019), Jessie Buckley (2021), tehát ez nagyon jó társaság. Atim most egy kis szerepben van a képernyőn Doctor Strange az őrület multiverzumában, és Viola Davist támogatja még ebben az évben a The Woman King-ben.

online szavazások
Az Armageddon Time nagyon meleg kritikákat kapott, ami jót ígérhet annak, hogy egy James Gray-film végre bekerül az Oscar-versenybe (*lehet, hogy azért, mert a filmjei nem annyira szentimentálisak, mint ez a műfaj, és az Oscar-szavazók szívesen elfogadják). A film Gray 80-as évekbeli serdülőkorának emlékein alapul. THR szerint "Hathaway a legjobb munkáját végzi Rachel férjhez menése óta", mivel az anya, valamint az Entertainment Weekly és az IndieWire Anthony Hopkinst nagypapaként emeli ki, aki megemlíti pályafutása aranyos késői szakaszát, és továbbra is "kitermeli a nyers őszinteséget az emberi gyarlóság mélyéről". ". A The Guardiannek azonban nem nagyon tetszett, hogy „kissé fáradságos és öntudatos cselekedetként” írta le.