Queen News Info

Ez nem fesztivál, ez egy buli! Legyen tehát a vendégem egy rövid utazásra a Festa del Cinema terhadap Romába (Római mozi partija). Ez az első évem Rómában ezen a különös fesztiválon, amely immár a 17. alkalommal tart. A Római Filmfesztivál valami más akar lenni, mint európai nővérei (Berlin, Cannes és Velence), de úgy tűnik, képtelen elengedni régi álmát, hogy olyan nagy és releváns legyen, mint ők.

DAcX DAcX DAcX DAcX DAcX DAcX DAcX

A 2022-es Római Filmfesztivál furcsa kombinációja lesz a fesztiválszezon maradékainak, a hollywoodi későn érkezőknek, akik az Oscar-nyerést remélik, és egy olyan hely, ahol kisebb filmek tündökölhetnek a népszerűbb, elismertebb filmek mellett, amelyeket máshol már bemutattak. Az Apple Originals pedig nagyon szereti ezt a fesztivált. Fedezzünk fel néhány címet, jó?

RAYMOND & RAY (Rodrigo Garcia, Egyesült Államok)
A streamelés az Apple TV+-on október 21-én kezdődik

Igazán pozitív kezdete a fesztivál napjaimnak az Örök Városban, és egy újabb sikeres példa az Apple Originals filmstratégiájára: a családra és a barátságra összpontosító kis címek, nagyszerű forgatókönyvek és egy-két elbűvölő hollywoodi név, hogy eladják.

A Raymond & Ray főszereplője Ewan McGregor és Ethan Hawke, akiknek a szereposztása tökéletesen megfelel az elvárásainknak. Két azonos nevű testvért játszanak, akiket egy szörnyű apával való bántalmazó kapcsolat sújt. Természetesen McGregor az értelmes ember, akit összetévesztenek egy zárkózott meleg férfival, mert képes vasalni az ingét. Hawke a rendetlenebb, akinek alacsony az indulata, és nehéz viszonya van a drogokkal, szabályokkal és társadalmi konvenciókkal. Lehetett volna csak egy lusta gépelés, de Ethan és Ewan tényleg eladják, hogy testvérek egy drámában, amelyet Rodrigo García elegánsan írt (Anya és gyermeke, Things You Can Tell By Looking At Her).

Az új filmet számos rejtély táplálja a főszereplők halott édesapjával kapcsolatban, akit arra kérnek, hogy temessék el (szó szerint) hat láb mélyen a föld alá. A forgatókönyv csodákat tesz azáltal, hogy lehetetlenné teszi Raymond és Ray számára, hogy megértsék, miért volt olyan rettenetes számukra az apjuk, és hogyan lehetett volna jobb vagy talán más ember későbbi életében. Míg Raymond & Ray a legszebb pillanatokat éli meg ebben a rejtélyben és tisztázatlanságban, García utolsó felvonása enged a kísértésnek, hogy mindent megmagyarázzon: ez az egyetlen igazi hibája ennek a lenyűgöző erőfeszítésnek.

A csillagokon és az egyetlen félrelépésen kívül más jutalmak is vannak. Vegyük például az utolsó részben a betűkre adott tippeket. Alternatív megoldásként fontolja meg, hogy a filmnek ugyanaz a nyitó és záró jelenete, de nagyon eltérő jelentéssel minden testvér számára.

LOUIS ARMSTRONG FEKETE ÉS KÉK (Sacha Jenkins, Egyesült Államok)
Megnyílik a mozikban, és az Apple+ streamelése október 28-án kezdődik

A művészekről és zenészekről szóló dokumentumok egy másik kedvenc az Apple Originals Menù oldalán. Mostanában minden fesztiválnak van legalább egy programja. Jenkins remek munkát végez, illusztrálva Armstrong öntudatát; Armstrong tudatában volt annak, hogy milyen nyomot hagy az amerikai (zene)történelemben, úgy döntött, hogy felveszi magát, amikor játszik és beszél a karrierjéről, lényegében önmagával interjúvolt.

Amikor egy dokumentumfilm központi figurája olyan lenyűgöző, mint Armstrong, szinte lehetetlen eltéveszteni a célt. Louis Armstrong Black & Blues című filmje érdekes ábrázolást nyújt a férfiról és a legendáról, arra összpontosítva, hogy az 1960-as években hogyan változott az afro-amerikai közösségen belüli felfogása nyilvános személyéről. Ő volt „az első fekete amerikai férfi”, aki sok történelmi mérföldkövet ért el, de a fiatalabb generációk megvetették a módját, hogy „az a fekete ember, akit a fehérek elképzelnek, fenyegető és apolitikus”.

A kultúrában elfoglalt helyének politikai fókuszán kívül élveztem harmadik feleségével, Lucille Wilsonnal való kapcsolatát, valamint néhány furcsa, bizarr tényt, például azt, hogy nyilvánosan értékelte a hashajtó használatát.

Hmm. Ez egy érdekes dolog, nem?

A Brainwashed: Sex-Camera-Power filmes adaptációja a filmrendező, Nina Menkes férfitekintetű előadásának. Eredetileg „Szex és hatalom: Az elnyomás vizuális nyelve” címmel Menkes az élő show-t egy furcsa hibridté dolgozta át, amely lebontja a sok film forgatási módját és keretezését oly módon, hogy leigázza a női karaktereket. Az első kép, amit látunk, Ana De Armasról készült, mint a Blade Runner 2049 meztelen reklámja, mielőtt több mint 170 filmet boncolgatnánk egyik formában (nagyon röviden) vagy olyan formában (közelről és személyesen).

Kényelmetlen látni, hogy Menkes sok nagyszerű filmet – köztük a nők által rendezetteket is – összekever, amelyek gyakran egészen egyértelműen arról szólnak, amiről beszél – olyan filmeket, mint Lorene Scafaria Hustlers, Julia Ducournau Titane vagy Barbara Loden Wandája – saját testének izzó önkritikájával. munkában. Még akkor is, ha engedményeket tesznek, mint például Jean-Luc Godard Contempt című filmjével és a stúdió megbízatásával, amely ellen harcolt Brigitte Bardot meghosszabbított meztelen felvétele miatt, Menkes ennek ellenére kevés megbocsátást mutat.

Továbbá, miután arról panaszkodott, hogy Hollywood elfelejti, hogy a nők egy bizonyos életkor után érdekesek és szexuálisak lehetnek, sajnálatosnak tűnik, hogy bizonyos esetekben ilyen szexuálisan negatívan viszonyul a nőkhöz a képernyőn. Örömmel fogadtam volna, ha meghallgatok olyanokat, mint a Scafaria, de feltehetően nem értenek egyet azzal, amit ő gondol arról, hogyan működnek együtt filmjeik a női testtel. És hogy teljesen őszinte legyek, Kathryn Bigelow-nak joga van ahhoz, hogy lehangolják, kritizálják, amiért itt van, amiért Oscar-díjat nyert egy férfiakról és háborúról szóló filmért. Az ötletnek ez a magja sértőbb, mint az a lustább ötlet, hogy a Phantom Thread hogyan nézzen rá Daniel Day Lewis-re női színésztársaira.

MAh MAh MAh MAh MAh MAh MAh MAh MAh MAh MAh

Arról nem is beszélve, hogy egészen a végéig hiányzott a különös tekintet.

És mégsem tagadhatom, hogy az Agymosott sok elgondolkodtatót ad. Miközben valami átkozott klip játszott, azon kaptam magam, hogy „na jó, a filmesek a történet részleteivel dolgoznak, és azzal, hogy mi a valósághű benne, vagy mi működik a filmben”. De akkor igen, fognám magam. Nem, igaza van. Vannak olyan felvételi és szerkesztési módok, amelyek túl gyakran megengedettek, ha nőket nézünk, és ritkán férfiakkal. Különösen érdekes az az elképzelés, hogy a férfiakat nagyobb valószínűséggel veszik fel teljes testükben, amikor levetkőznek, míg a nőket nagyobb valószínűséggel vágja fel a fényképezőgép kerete, a kifejezetten a kiállított testrészek. Valószínűleg nem lesz újdonság senkinek, aki tanulmányozta a filmet, a feminizmust és a férfi tekintetet, de én ennek ellenére értékeltem. Ugyanígy a Raging Bull egyfajta mini jelenetrészlete olyasmit kínált, amire korábban igazából soha nem gondoltam, ahol a nők hallgatása fülsiketítővé válik.

Hasonlóan fele-fele arányban maga a filmkészítés. Menkes nagymértékben támaszkodik saját előadására az anyagot a bámészkodók szobájában. Túl sok van ebből. Főleg, hogy amikor kilép ezen, Menkes rendezői tehetsége lenyűgözi. Ez olyan, mint egy fele TED-beszéd, félig az ötletek vizuális megjelenítése. Én inkább az utóbbit választottam volna; virágzik az eredeti látvány, amely jól illeszkedik a bőséges filmklipekhez.

Menkes emellett nagyon lenyűgöző névsort halmozott fel női és nem bináris filmesekből, olyan neveket, amelyekről mindig lenyűgöző lesz hallani. Különösen a Por lányai című film rendezője, Julia Dash ragadott meg, aki élénk sárga mintás ruhában jelent meg itt egy tablóban, a tapétázott fal előtt, amelyet kék pálmák és páfrányok borítottak, oldalán egy növény. Ez egy olyan vizuális kép, amitől azt kívánom, bárcsak minden beszélőfejes interjú ugyanolyan elektromos lenne. Ott van még Penelope Spheeris, Rosanna Arquette, Eliza Hittman, Catherine Hardwicke, Joey Soloway és mások, köztük Laura Mulvey, akit tulajdonképpen a „férfi tekintet” kifejezés megalkotója. Kíváncsi vagyok, milyen film lenne róla egy olyan rendező nélkül, aki a felkínált erős munka közepette is nagyon szeretné eladni saját ruháit.

Menkes leegyszerűsíti Mulvey közel 50 éves ötletének üzenetét? vitatkoznék, hogy igen. Közel két óra elteltével valószínűleg túl hosszú újra és újra ugyanazt a pontot kifejteni Menkessel a középpontban, amikor rutinszerűen nem ő a legérdekesebb (vagy ami felé a közönség természetesen vonzódik). Menkes előadása meglehetősen érdekes és tele van olyan információkkal, amelyekre valószínűleg sokan nem gondoltak. Férfiak néznek. A nőket figyelik. De mint film, azért küzd, mert kikerüli a kontextust, és mert túl gyakran kínosan színpadra kötött. Akár olyan képekkel is, amelyeken Menkes látható az első sorban, filmklipek felett. Kíváncsi vagyok, vajon felismeri-e az iróniát.

Gabriel Martins Oscar-pályázata, a Mars One egy munkásosztálybeli brazil család történetét meséli el, amely Jair Bolsonaro szélsőjobboldali elnök megválasztásának küszöbén áll. A családot egy toronyházban dolgozó apa, egy traumával küzdő anya, egy családjához közel álló lány és egy fiatal fiú alkotja, aki arról álmodik, hogy a Marsra menjen. A film a kortárs Brazília gyönyörűen visszafogott vizsgálata az osztály, a faj és a nem szemüvegén keresztül.

A Mars One Brazília esélyese a legjobb nemzetközi játékfilmre a 95. Oscar-gálán. Interjúnkban Gabriel Martins író/rendező kifejti filmjének fejlődését, amely egybeesett Bolsonaro megosztó politikájának felemelkedésével, hogyan segítette őt a film hosszú távú útja a végső eredmény kialakításában, és hogy a brazil moziban a közelmúltban bekövetkezett fejlemények milyen hatással voltak rá. remény...

[Az interjút az egyértelműség kedvéért szerkesztettük.]

Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas Kahuas
JUAN CARLOS OJANO: Gratulálok a filmhez. A Mars One-t a januári Sundance-i premier óta elég sok út vezetett. Most te vagy Brazília hivatalos Oscar-pályázata.

GABRIEL MARTINS: Igen, őrültség volt. Azt hiszem, ez a szó, mert Sundance-nek személyesen kellett volna lennie, de a COVID miatt online lett. De nagyszerű élmény volt, mert első benyomásokat szerezhettem az interneten, és láthattam, hogyan reagáltak az emberek a filmre, és többnyire pozitív reakciók voltak, nagyon melegek. Aztán elmentem néhány fesztiválra Brazílián kívül. A brazíliai premierre végül csak augusztusban került sor, és nagyon intenzív volt. A film premierje egy igen rangos filmfesztiválon, egy Gramado nevű városban zajlott.

Megnyertük a közönségdíjat. A legjobb forgatókönyv és filmzene díját nyertem. A zsűri különdíjat kapott a filmért. Egy héttel később pedig a filmet bemutatták Brazíliában. És eddig nagyon sikeres volt, főleg az Oscar-válogatás bejelentése után. Visszatértünk a mozikba, sok emberrel, sok vitával és sok szeretettel küldték el a filmünket. Ez az első alkalom, hogy valami ilyen sikeres. Szóval ez valami új, amit tapasztalok, és nagyon hálás vagyok mindenért.

Tanúsíthatom a szeretetről, amit mond, mert a Sundance-i premier óta voltak barátaim, akik folyamatosan emlegették a filmedet. Ez a film hosszú utat járt be. A 2010-es évek közepén kezdtél el írni, még Bolsonaro megválasztása előtt kapott támogatást, 2018-ban forgattad, de csak 2021-ben fejezted be, és 2022-ben mutatták be. Azért teszem fel, mert az első kérdésem: mi volt a történet legnagyobb változása a korábbi évekhez képest. amikor először megfogalmazta a végső kimenetig?

Igen, ez egy nagyszerű kérdés. Szerintem érdekes volt, mert egy kicsit fel tudtam érni filmrendezőként, mert más dolgokat is csináltam ez alatt a nyolc év alatt, amióta elkezdtem írni, és végre megjelent. Azt hiszem, a történet lényege mindig ennek a családnak a négy tagjáról szólt. Mindig az álmodozásról szólt, a rugalmasságról. Szerintem a film most egy kicsit feszesebb, mint amikor írtam. Amikor írtam, azt hiszem, nagyon sokféle dologról akartam beszélni.

Az évek során, különösen az egy évig tartó szerkesztési folyamat során – egy kicsit pihentetve az anyagot, majd visszatérve hozzá. 2019-ben nagyjából szerkesztettem, és próbáltam megtalálni ezt a ritmust és ütemet. Aztán ejtettünk néhány párhuzamos történetet, ami szerintem túl sok volt a filmhez. Szóval azt hiszem, a fő dolog, ami megváltozott, az az, hogy a film koncentráltabb és finomabb. Túl sokat próbáltam mondani. Egy dolog, amit megtanultam az idő múlásával, az az, hogy jobb lenne ennél a filmnél egy kicsit feszesebb lenni, mert arra koncentrálhatnánk, mi a fontosabb benne.

Szeretem, amit mondtál, hogy egyre finomabb lett. A film nagyon sokat mond anélkül, hogy sokat mondana. A film azonban kifejezetten kijelenti, hogy a Bolsonaro-kormányzat kezdetén játszódik. Mi volt akkor a történet felállításának jelentősége?

Amikor elkezdtem írni, tudtam, hogy annak kontextusába fogom beállítani a filmet, amikor elkészítettük. Tehát ha hat hónappal azelőtt lett volna, amikor forgattuk, akkor nem lennének ezek a választások. Ez olyan lett, mint 2018 novemberében vagy decemberében, néhány héttel a választások után. És szerintem jól is illett, a filmet ott helyeztem el, mert sok csalódás, sok kavarodás időszaka volt, mintha változna a tenger dagálya. És ez olyasvalami volt, amit sokan nem tudtunk kezelni, mert ez egy új jelenség. A brazil választás heves és nagyon nagy csalódás volt sok ember számára. Az ország nagyon megosztott volt, mert nagyon szoros választások voltak. Tehát ez a fajta megértés, hogy „hú, ez valami nagyon nehéz dolog, amivel szembe kell néznünk”. És ez már erősebbé tette a történetet.

De tudtam, hogy ez nem lesz olyan, mint a fő történet, mert ez volt

JEONG-SUN

Két független film arról, hogy a nők hogyan találják meg és veszítik el a szerelmet, valamint egy ambiciózus produkció Caravaggio életéről és művészetéről. A nap végén ez egy kis gyöngyszem, amit két csalódás követ...

Jeong-sun (Jeong Ji-hye, Dél-Korea)
– Öregnek lenni bűn? – kérdezi a főszereplő egyik barátja és munkatársa ebben az intenzív első filmben egy középkorú gyári munkás szerelmi életéről Koreában. A válasz rétegzett. Úgy tűnik, öregnek lenni nem bűncselekmény, hacsak valaki meg nem kockáztatja, hogy valóban boldog legyen, még ha diszkrét módon is. Jeong-sun életkora súlyosbító tényező abban, hogy olyan módon váljon áldozattá, ahogyan azt általában fiatalabb nőkkel társítottuk.

Amikor találkozunk Jeong-sunnal, jókedvű, nevet és kuncog a munkatársaival és barátaival. Rendkívül fájdalmas látni, ahogy mentális egészsége tönkremegy, amikor szeretője szörnyű mozdulattal bizonyítja férfiasságát. A rendező letisztult, minimalista stílusban mutatja be Jeong-sun radikális szemléletváltását, miután egy videó elterjedt. A filmet olyan finoman figyeli és gyönyörűen adja elő Kim Geum-soon, hogy amikor Jeong-sun kétségbeesése végre felrobban, szinte hallani, ahogy a szíved megszakad.

Ramona (Andrea Bagney, Spanyolország)
Ramona két előtte készült film áldozata: Frances Ha és A világ legrosszabb embere. Lehetetlen követni Ramona, egy harmincas spanyol nő kaotikus szerelmi életét anélkül, hogy ezek a filmek lebegnének. Ramona olyan határozatlan, ellentmondásos és tele van reménnyel, mint Frances vagy Julie a saját filmjeikben. Vannak esetek, amikor a főszereplőnő, Lourdes Hernández arcvonásai úgy tűnnek, mintha Greta Gerwig arcvonásaihoz hasonlítanának, amikor Andrea Bagney rendezői debütálását nézi. A világító fekete-fehérben való fényképezés egyike a sok művészi választásnak, amelyek ezt az összehasonlítást nyomják. Ramona a szokásos, imádnivaló, rendetlen főszereplő, aki beleszeret egy furcsa, hipszter filmrendezőbe, Brunoba. Annyira össze van zavarodva az érzéseivel és a prioritásaival kapcsolatban, hogy két filmre van szükség (az egyik, amit nézünk, és a Bruno által rendezett film a filmben), hogy világosan döntsön arról, mit akar.

Az igazat megvallva, Frances Ha nem merítette ki az összes narratív és művészi lehetőséget arról, hogy milyen nehéz lehet a millenárisoknak kevésbé öntörvényűnek és tudatosabbnak lenni. A világ legrosszabb embere élő bizonyítéka ennek. A 2022-es romantikus kapcsolatokban annyi mindenről van szó, hogy harmincévesnek legyél. A Ramonában található kérdések és válaszok közül azonban túl sok ugyanaz, mint a Frances Ha című filmben, amely egy teljes évtizeddel ezelőtt újdonságnak számított. Andrea Bagney egy kifinomult független filmet hoz létre, de a fényes művészi választások alatt túl kevés az eredeti vagy sajátos ahhoz, hogy teljesen megnyerő legyen. Túlságosan is könnyű ezt „a spanyol Frances Ha”-nak nevezni. Valójában Ramona könnyen lehet New York-i, tekintve, hogy a film mennyire általános arról a helyről és kultúráról, amelyben él.

LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA LAKMA

CARAVAGGIO ÁRNYÉKA

Caravaggio árnyéka (Michele Placido, Olaszország/Franciaország)
Michele Placido életrajzi filmje Michelangelo Merisi, a Caravaggioként ismert híres festő életéről és munkásságáról tökéletes házasságot jelentett volna az olasz képzőművészet és a francia mainstream mozi között. Caravaggio (Riccardo Scamaracio) és ellentmondásos, veszélyes élete itt átformálódik, hogy egyfajta rocksztár legyen... egy lázadó, aki szereti az alkoholt, a szexet és a túlzásokat. Festőként a szegény emberek igazságát akarja ábrázolni egy olyan világban, ahol az egyház JChrist és a mártírok idealizált változatát hirdeti.

Senki sem tud ellenállni ennek a pusztító szexi művésznek. Jó móka nézni, ahogy két francia szupersztár a pusztító bűvölet alá esik – Isabelle Huppert védelmezője, Louis Garrell pedig nyomozó, akit a pápa küldött nyomozni a festő után. Kellene. Ehelyett határosan kínos.

Itt az a lényeg, hogy egy népszerű festőből popikont alakítsunk, egy korabeli történetet felszínes, mégis szórakoztató filmmé alakítva, rendkívül kortárs hangulattal. A probléma az, hogy Michele Placido nem a megfelelő rendező erre. Nem sikerül a filmet popsá tenni, bár az erre tett kísérletek nyilvánvalóak. Míg Riccardo Scamarcio megvan az a szerepe, hogy megtestesítse a meggyötört, szexi, férfias festőt, nem elég karizmatikus ahhoz, hogy eladja a „híres művészt rocksztárnak” (ez a fogalom az irodalomban vagy a filmekben nem annyira újszerű). amikor Garrel és Huppert párja van. Sajnos kevés a kémia a kétnyelvű szereplőgárdában, mindenki önmagáért cselekszik mind a párbeszédben, mind a szexjelenetekben.

Ez az ősz kellemes időszak lesz Anthony Hopkins rajongói számára. A színész az Armageddon Time (október 28.) és a The Son (november 25.) című filmekben is közreműködik, mindkét filmben fontos nagyapafigurákat alakítva. Noha James Gray filmmemoárjában meleg jelenléte van, a színész Florian Zellerrel (Az Apa) való második együttműködése jobb helyzetben van ahhoz, hogy bemutassa Hopkins filmvásznának keserű és harapós oldalát. Néhány évtized után, kevésbé zseniális projektekben, nagy öröm látni, hogy a Thespian visszatér a formába ilyen érdekes próbálkozásokban, függetlenül attól, hogy mindkét film vegyes reakciókat váltott ki. Bár egy újabb Oscar-jelölés valószínűtlennek tűnik az évad ezen pontján, a 80-as éveiben járó Hopkins boldogulása a saját jutalma.

Mert kísérteties van a levegőben, emlékezzünk arra, amikor Sir Philip Anthony Hopkins nem volt sem lovag, sem Oscar-jelölt. 1978-ba megyünk vissza, amikor Richard Attenborough Magic című filmjében egy hátborzongató hasbeszélőt játszott, és talán közel került az első Oscar-jelöléséhez…

A varázslat, amelyet William Goldman regényéből adaptált, Charles "Corky" Withers megpróbáltatásairól szól, aki egy feltörekvő bűvész, aki szeretett tanára parancsára új trükköt szerez tettéért. Rátelepszik az illuzionizmus és a hasbeszélő komédia keverékére, és egy furcsa kis bábuval tér haza, akit Kövéreknek hív. Az új műsor sikeresnek bizonyul, de a hírnév lehetősége túlságosan fényes reflektorfénybe került egy olyan férfira, aki titokban akarja tartani mentális egészségügyi küzdelmét. Mivel ez a karakterdráma izgalmas horrorokra vágyik, Corky hamarosan egy pszichotikus narratíva központjává válik, ahol úgy tűnik, mintha Kövérek húznák a húrt.

Csúnya kritikájában Pauline Kael sok nevetnivalót talált a Magic-ben, különösen Hopkins Corky szereposztását. A híres kritikus kizsigereli a színészt, amiért állítólag képtelen a fényt vagy a boldog tartományt kivetíteni, az örömre való képtelensége, a vulgaritás hiánya. Sőt, rámutat arra a furcsaságra is, hogy a walesi egy Catskillsben született és nevelkedett karaktert alakít, egy Borscht Belt vaudevilliánt, aki nem illő West Glamorgan akcentussal rendelkezik. Noha ez utóbbi kritika ellen nehéz vitatkozni, Hopkins visszahúzódó megközelítése egy koszos kis showman szerepében megvan a maga vonzereje. Az eleinte Gene Wildernek, majd Jack Nicholsonnak szánt szerepet bevállaló színész úgy kezeli a horrort, mint egy pszichológiailag megterhelő karaktertanulmányt.

Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent Quent

Már az elején van valami a férfi lágy hangú ritmusában és bánatos szemében, ami rabul ejti és lefegyverzi. Ráadásul Corkyval személyes és szakmai életének mélypontján találkozunk, amikor az öröm távoli, inkább lehetetlen álom, mint elérhető valóság. Merlint, ágyhoz kötött mentorát ápoló fiatalabb férfi a fogain át hazudik a legutóbbi, floppolt show-ról, sima vitorlás estéről beszél, miközben a képernyő feltárja kudarcának valóságát. Az izzadt és hatástalan Hopkins Corky színpadi jelenlétét a bájtalan nyomorúság gyakorlatává teszi.

Olyan ember, akitől annyira megfosztották az önbizalmát, hogy a fájdalmat sem tudja elrejteni az unatkozó közönség elől. Ahelyett, hogy úgy fonnyadna, ahogy a falvirágok szoktak, felrobban dühében. Az arc csúnya álarcba torzul, miközben szavait a visszaemlékező eszköz tompítja, Hopkins Corky bombáját olyan látvánnyal varázsolja, amelyet nehéz végignézni anélkül, hogy összerándulna az együttérzéstől. Ne feledje, nem véletlen vagy kudarc a színész részéről, hanem az antikarizma stratégiai ábrázolása, amely központi szerepet játszik a karakterizálásban. Amikor legközelebb találkozunk vele, miután a hangulatos prológus befejeződött, Corky első benyomásra nem tűnik sokkal jobbnak.

Ezt a valóságot hangsúlyozza egy tévéproducer élő kommentje, akit a bűvész ügynöke próbál meggyőzni. Hopkins ismét a biztos hiányát mutatja, minden trükköt szinte semmi érzék nélkül és nagy koncentrációval mutatnak be. Kicsit fájdalmas az egész, ha egy kicsit simább, mint korábban. Ekkor azonban valami látványos történik. Corky egy harcias heccernek válaszolva belemerül a közönségbe, mielőtt visszatérne a színpadra a mocskos megszakítóval, egy bábuval, akinek arckifejezése az arcának elképesztő paródiájának tűnik. A két jelenlét közötti kontraszt éles, a megdöbbentő, szelídség és az X-kategóriás humor párhuzamba állítása, mindezt durva érzéketlenséggel adják.

Az akcentus kérdésén túl sok csodálnivaló van Hopkins vokális gimnasztikájában, ahogyan megragadja Fats nazális hátborzongatóságát anélkül, hogy abszurdná tenné, hogy a hasbeszélő másokat szórakoztat. A babákon keresztüli hangzás és beszéd önmagában meglehetősen morbid, de a mágia túlmutat a felszíni nyugtalanságon. Az előadáson belül és a szórakoztató előfeltevésén túl az a felfogás, hogy Fats egy elfojtatlan személyazonossággal rokon, egy állati akarat, amelyet nem nehezítenek az emberiség terhei. A hang és a fizikai forma közötti ilyen diszfunkciót elmossák és élesítik a báb által megosztott hasonlóságok