Queen News Info

img a "Hot Ones"-on keresztül a YouTube-on

Nem mi vagyunk az elsők, akik ezt figyelték meg, de az utóbbi időben az Oscar-díjasok/reményesek feltűnnek a "Hot Ones"-ban. A népszerű YouTube-műsorban hírességek tesztelik, mennyire tűrik a csirkeszárnyakon egyre jobban megolvadt forró szószt. Ezután megpróbálják népszerűsíteni munkájukat, miközben látható fájdalomban vannak. A sorozat hét évvel ezelőtt indult, és a második évadban terjedt el egy Key & Peele epizóddal. A korai évadokban többnyire zenészek, humoristák és televíziós személyiségek szerepeltek, de mostanában rendszeresen felbukkannak nagyobb színésznők. Tegnap mutatták be Cate Blanchett epizódját...

...és nézni, ahogy az epizód végén könnyező szemekkel és fájdalmas zavarodottsággal próbálja népszerűsíteni a TÁR-t, bizonyos dicsőséges vonzerővel bír. Nem úgy, mint ahogy maga Lydia Tár megromlását nézi, amint ismételten önszabotáló (és másokat szabotáló) döntéseket hoz, amelyeknek következményei vannak az Oscar-díjas drámában. A film manapság a mozikban terjed.

FArAW FArAW FArAW FArAW FArAW FArAW FArAW FArAW FArAW FArAW FArAW FArAW FArAW FArAW FArAW FArAW FArAW FArAW FArAW FArAW FArAW FArAW FArAW FArAW FArAW FArAW FArAW FArAW FArAW FArAW

Nem Cate az első díjazott ebben a szezonban (a sorozat a 19.). Viola Davis feltűnt a The Woman King-ben, és a 18. évad vége felé Lizzo készített egy epizódot az Emmy-díja előtt a Lizzo's Watch Out for the Big Girls című filmben.

Nem Cate és Viola voltak az első Oscar-díjasok a műsorban. Sok Oscar-jelölt jelent meg mostanában, de az első Oscar-díjas, aki a világjárvány előtti show-t megcsinálta, Charlize Theron volt az 5. évadban. Őt Natalie Portman a 6. évadban, Halle Berry követte a 9. évadban. A járvány óta Brie-vel éltek. Larson a 12. évadban, Matt Damon a 15. évadban és Daniel Kaluuya a 18. évadban.

Helló, a filmélmény szellemei és kísértetei! Jó volt az októberetek? Én csináltam! Sok filmes megszállotthoz hasonlóan ezt a hónapot is ürügyül használtam arra, hogy olyan horrorfilmeket keressek, amelyek a néznivalók listáján szerepeltek a műfaj minden szegletéből. Hamarosan közeleg a Halloween, úgy gondoltam, jó lenne megosztani öt legjobbat a naplómból, miközben a szobatársaimmal megpróbáljuk rávenni egy közelgő Halloween-parti házigazdáját, hogy felállítsák a Troll 2-t. Minden további nélkül kezdjük! Tovább az ugrás után...

A láthatatlan ember (1933, rendező: James Whale)
Elfogadtam, hogy bármennyire is élvezem James Whale hajlandóságát, hogy összekeverje a különböző hangokat, és olyan merészen vacilláljon a tiszta horror, a széles komédiák, a tábori perverzió és a legjobb esetben is a legfinomabb szexualitás között, soha nem fogom tudni. elfogadni ezeket az elmozdulásokat maguknak a filmeknek az általános koherenciája árán. Ennek ellenére a Bálna filmjei a kiszámíthatatlanság valódi érzésével is rendelkeznek, és könnyű belemenni a pillanatról pillanatra élvezhető örömökbe és a kitartott gambitusokba, amelyeket Bálna oly nagylelkűen kínál. Például: hisztérikus ráébredni, hogy mivel láthatatlansága nem terjed ki a ruházatára, a cím szerinti Férfi minden aljas bűnét meztelenül követi el. Egy másik példa: Claude Rains teljes előadása, a tudományos zsenialitás fantasztikus desztillációja, a romló józan ész és a tiszta csicska viselkedés, mindezt az a félelem övezi, hogy láthatatlansága valóban visszafordíthatatlan. A láthatatlanságát dramatizáló vizuális effektusok remekül megállják a helyüket, a jelmezeire pedig érdemes rácsodálkozni, amikor vesződik a ruházaton.

MAHa MAHa MAHa MAHa MAHa MAHa MAHa MAHa

A The Invisible Man jelenleg a The Criterion Channelen, a Peacockon közvetíti, és a legtöbb nagyobb online platformon bérelhető.

A farkasember (1941, rendező: George Waggner)
Ahol Bálna filmjei játékos, rámenős hajlandóságot mutatnak a hangszínekkel való kísérletezésre az általános következetesség érdekében, George Waggner A farkasember című rendezése kontrasztos megközelítést kínál. Larry Talbot omló önérzetének és Wales hangulatos, finoman rossz atmoszférájának munkás bemutatása tárgyilagossággal ruházza fel ezt a természetfeletti mesét, amely csak fokozza tragédiáját. Az éles, ezüstös operatőr, az éles tempó és az általam látott Universal horrorfilmek legerősebb együttese tovább segíti a gazdag, de gazdaságilag kiváltott kétségbeesés érzését. Bármilyen dísztelen is az esztétikai megjelenése, a legszembetűnőbb képsorok értéke hibátlanul eltalál, különösen a csillogó ezüst farkasfejű sétabot. Maga a vérfarkas átalakulás furcsa módon nem meggyőző, és a romantika csak a nem kívánt, életet megváltoztató behatolás tematikus lencséje alatt produktív, bármit is valljanak a szereplők. Talán ez a legkevésbé félelmetes film a listán, és alig próbál megijeszteni, de az építési rettegés és az utolsó 20 perc förtelmes, szomorú csúcspontja az, amit a nagy horrornak el kell érnie.

A Farkasembert jelenleg a The Criterion Channel, a Peacock közvetíti, és a legtöbb nagyobb online platformon keresztül bérelhető.

A sötétség lányai (1971, rendező: Harry Kümel)
Most elérkeztünk a lista azon részéhez, amelyre szívesen hivatkozom: „Hoppá! Minden vámpír!” Mindenesetre rengeteg dolog lebeg a Sötétség lányai körül, amelyek egy-egy ponton azzal fenyegetnek, hogy központi oldalaként vagy járulékos, sőt fejletlen csomópontja lesz annak a történetnek, amely egy elfáradt, tapasztalt vámpírról és az ő segítségéről szól. látnivalók egy frissen házaspáron. Mi van a férj anyjával, és mit deríthetünk ki róla, amikor végre felveszi a telefont? A grófnő (Delphine Seyrig, gyönyörű) valóban az a Báthory Erzsébet, és nem számít, hogy az? Vajon bármelyik figura, aki felismeri a grófnőt 40 éves tartózkodása után, valóban tesz valamit a gyanúja ellen? A Sötétség lányai egy furcsa tárgy, Harry Kümel rendező hatalmas mennyiségű textilérzékiséget és hangulati rettegést önt be három másik íróval közösen írt forgatókönyvébe. Bármilyen erős is ez a rettegés, nehéz megragadni, hogy a film hogyan éri el a 90 percet, nemhogy a 100-at. Talán nem fog a varázsa alá kerülni, de mint egy lámpára terített vörös sál, néha egy egyszerű díszítés is átalakulhat. egy olyan tér, amely annyira megnyeri a tetszését.

A Daughters of Darkness jelenleg a The Criterion Channel, a Tubi és a Vudu csatornákon közvetíti.

Martin (1977, rendező George Romero)
A listán szereplő filmek közül a kedvencem, és talán a legszomorúbb is. Martin egy fiatal férfi, akit Braddock (PA) elhagyott városába szállítottak le unokatestvérével, Cudával, aki legalább két generációval idősebb litván katolikus, valamint a férfi unokájával, Christinával. A Pennsylvaniába tartó vonatúton megnyugtat egy nőt, levetkőzik, eszméletlen teste mellett fekszik, felvágja az alkarját, és orgazmusosan remeg, ahogy a vére megcsapja a bőrét és ízleli.

Olyan nagy terveim voltak októberre. Rengeteg kísérteties szezon lesz horror témájú írásokkal, és visszatér a minisorozatom ijesztő filmjelmezeken. De aztán beütött a COVID, majd az influenza – ez a ködös agyú betegség örökös állapota. Ennek ellenére nem érné véget az október egy Horror Costuming bejegyzés nélkül. még ha köhögési rohamok között kell leírnom az átkozott dolgot. Mivel már írtam egy műfaji képről, amely elnyerte a Jelmez Oscar-díjat (az Eiko Ishioka-ruhás Drakula), nézzünk egy másikat. A 60. évforduló alkalmából vitassuk meg a lényeget, hogy mi történt Baby Jane-nel?, a Grand Dame Guignol-őrület keletkezéséről...

Annak ellenére, amit Ryan Murphy félreszületett viszálya elhitet veled, Robert Aldrich 1962-es horrorjának sztárjai nem találták ki karaktereik kinézetét a forgatás kezdete előtt. Bár ők is hozzájárulhattak a vizuális koncepciójukhoz, van egy elismert tervező is. Nézz utána, Norma Koch, aki elnyerte a film egyetlen Oscar-díját. A továbbiakban két további jelölést kapott a Csönd… Csönd, az Édes Charlotte és a Lady Sings the Blues című filmekben, és mire Bette Davist Baby Jane-nek öltöztette, filmográfiájában már szerepeltek olyan címek, mint a legjobb film díjazott Marty. és Joseph H. Lewis zseniális Gun Crazy.

Mindez azt jelenti, hogy Koch egy mesés karriert befutó művész, aki nem érdemli meg, hogy jóváírt munkáját eltörölje a rosszul feltárt történelem. Arról nem is beszélve, hogy a Whatever Happened to Baby Jane? mint a főszereplő rivális sztárokból nővérek lettek a pokolból. Elvégre, bár elsősorban 1962-ben játszódik, a Hudson testvérek története jóval korábban kezdődik. Aldrich egy elnyújtott prológussal nyitja a filmet, 1917-től kezdve, amikor Baby Jane egy vaudevillian szenzáció. A jelenet a 20. század eleji fehérneműruhák tengere, csipkebetétekkel, amennyire a szem csak bírja, minden korosztály fejét tollal koronázó primer kalapok és hamis virágok.

RAden RAden RAden RAden RAden RAden RAden RAden RAden RAden RAden RAden

E motívumok némelyike megismétlődik, az elmúlt napok visszhangja, amelyek nem saját időkben uralkodtak. A múltbeli tartózkodás az egyik kulcsfontosságú vizuális témája egy olyan filmnek, ahol a kor pusztítása szörnyetegeket csinál mindannyiunkból. Nem feltétlenül azért, mert az öregedés groteszk, bár ezekben a filmekben gyakran az. Ehelyett az ember gyakran azt találja, hogy a fiatalság emlékei szellemszerű kísértetiesekké zsúfolódnak, megmérgezik az élet alkonyát, emlékeztetve arra, ami eltűnt, elérhetetlen, elveszett. Ahhoz, hogy a jelen valóban fájjon, a hanyatlás nyilvánuljon meg, a tegnapi képnek tapinthatónak és élénknek kell maradnia, citromcsípésnek a nyílt seb felett, sóval dörzsölve az élő húst.

Természetesen nem az 1910-es évek általános divatja idézi fel a fájó emlékezést, hanem a siker sajátos megjelenése korhadt elavulttá. Valamikor Baby Jane sztár volt leesett derékú gyerekruhában, hátán szatén masniban és arany tincsekben. Mégis, mielőtt látnánk, hogy a képét porcelán fakszimileként reprodukálják – olyan babákat, amelyeket az apja árul ad –, Jane már úgy néz ki, mint valami a valóságon túl. A mesterkéltség bűze elsöprő, az ártatlanság olyan hamis kivetülése, mint azok a rongyos selyemvirágok, amelyek a közönség évezredes édességeibe borulnak. Olyan hamis, mint Hudson papa olajos vigyora.

A lánya angyali kerubjával ellentétben jelmeze kiegészítő mintákat tartalmaz, csíkokat a csíkokon, amelyek cirkuszi ígérettel csengenek. Felesége a színfalak mögött szürke, súlyos középtónusok iszapjában dereng ebben a monokróm keretben. Illik Blanche-hoz, a lányhoz, aki kívül esik a rivaldafényben, szomorú masnival a haján, mint a nővére színpadi pompájának kegyetlen paródiája. Ugrás 1935-re, és a nővérek helyet cseréltek. Blanche egy ezüst képernyős sztár, és a köcsög Jane-nek csak a másik nő befolyása miatt van munkája a stúdiókban.

Nem sokat látunk ebből az időből, felvillan a stúdió sok csillogása és kevés más. És mégis, Koch még itt is elültet magokat, amelyekből kinőhet az igazság virága, a cselekmény központi titkának kulcsa, amelyet a közönség megtalálhat. Mit látunk tehát az autóbalesetben, amelynek következtében Blanche tolószékben ül, Jane pedig a gondozója? Két nő puha ruhában és fém cipőben. Az egyik vezeti az autót, a karjára sötéten csillogó ingujj terült. A másik egy dolgos világos színű kendőt teker a vállára. Az anyag mintával van szőve, vagy csipke, szőrme van a felületén? Nem számít, csak az, hogy ezek a célzások mit árulnak el az adott személyazonosságról.

A nővérek stílusa az öregedés során bekövetkezett minden átalakulásuk, vagyonuk alakulása ellenére a folyamatos ismétlődés sorozata. A 60-as évek elejére vágva, amikor a cselekmény teljes egészében elkezdődik, főszereplői ma már a hollywoodi klisék által értelmezett idős nőiesség szörnyű archetípusai. Blanche, aki ezentúl csak két jelmezt visel, egy meszes rajzfilm a hölgyről

Paul Bäumer (Felix Kammerer) az I. világháborúba indul az "All Quiet on the Western Front" című filmben, amely a németek idei pályázata a legjobb nemzetközi film kategóriában.

Elrettentő a legjobb kép díját újrakészíteni. Steven Spielberg új életet és vitalitást lehelt a West Side Storyba, így az időtlen eredeti társává vált. A filmesek azonban gyakrabban megbénulnak az elvárások és a saját fontosságuk súlya alatt (mint például Steven Zaillian All the King’s Men című filmjének sztárokkal teletűzdelt alakítása vagy Timur Bekmambetov Ben-Hur című filmjének kudarca).

Erich Maria Remarque: All Quiet on the Western Front háborúellenes regényének Lewis Milestone-adaptációja 1930-ban új terepet ütött a realizmus, a brutalitás és a háborúellenes érzelmek felé. Oscar-díjat kapott a legjobb film és a legjobb rendező kategóriában. Azóta is klasszikusnak tekintik, később az AFI legjobb filmjei és legjobb eposzai közé sorolták, és bekerült a Nemzeti Filmnyilvántartásba. Hogyan tudna egy új film hasonló hatást kifejteni? Edward Berger rendező nem találja fel újra a történetet, de az All Quiet on the Western Front 2022-es újramesélése elegendő technikai résszel rendelkezik ahhoz, hogy méltó, additív remake legyen, és remekül szórakozzon a moziban...

VAlde VAlde VAlde VAlde

Paul (Felix Kammerer) szövetségesre talál egy jókedvű, idősebb katonában, Katban (Albrecht Schuch).
1917-ben nyitunk Németországban. A város legmenőbb partija az a sor, amelyen részt kell venni az első világháborúban, amely jelenleg három éve dúl. 17 éves harcosunk, Paul Bäumer (Felix Kammerer) bevet egy ősi trükköt, hogy meghamisítja életkorát és anyja aláírását, hogy a barátaival jelentkezzen. Paul és barátai rendkívül boldogok, mintha egy testvéri közösségbe jelentkeznének. Ezeket a ragyogó mosolyokat nem valami dühös fúróőrmester, hanem a lövészárkokban tett azonnali intézkedés gyorsan eltöri. A halál nem késett el a háborús felvételi ülésről.

A háború dúlásával a film két történetszálra szakad: Paul és barátai minden oldalról elkerülik a halált, Matthias Erzberger német tiszt (Daniel Brühl) pedig fegyverszünetről tárgyal a szövetséges hatalmakkal. Ez a szembeállítás tovább dramatizálja a háborús bürokrácia vérontását. A németek jól tudják, hogy a háború nem rázott a javukra. Azonban egy utolsó szárnyra vágynak a dicsőség véget nem érő hajszában. A legfelső szinteken zajló viták miatt Paulnak és barátainak túl kell élniük az élen folyó, egyre nagyobb kihívásokkal teli és véres csatákat. És minek? Nemzeti büszkeségük van, de nem érdekük egy olyan ügy, amelyért küzdenek. Harcolnak a hazájukért, de soha nem kérdezik, miért harcolnak a hazájukért.

Daniel Brühl belép a filmbe, hogy a béke mellett érveljen, de azon kapja magát, hogy elakad, miközben emberek halnak meg körülötte.
Ez a belső konfliktus végigjárja Kammerer arcát, ahogy kecsesen vezeti a filmet. Az előadás nagy része tágra nyílt szemű horror; mégis megtalálja a finomságokat ezeken a nagy vonalakon belül. Ahogy a háború véget ér, a központi baráti társaság valóban megmutatja hatótávolságát. A megtépázott, sebesültek és a remény halvány darabkáiba kapaszkodó csoport alig várja a végét, miközben rájönnek, hogy a csatatéren töltött idejük még nem feltétlenül ért véget. Különösen Albrecht Schuch tűnik ki, mint egy idősebb, éles vezetékes katona, Kat, aki szárnyai alá veszi Pault és barátait. Hamar megtudja, hogy a háborúnak más tervei is vannak. A kor nem könnyíti meg a minden katonát érő traumák elviselését.

A film tele van sok merész stílusválasztással. Volker Bertelmann zeneszerző partitúrája felharsan, miközben szereplőink bejutnak a lövészárkokba. Emlékeztet Trent Reznor és Atticus Ross pontszámára, amelyet nehéz szintivel 10-re ütöttek. Van benne valami hangzásilag lehengerlő. Bár lehet, hogy nem mindenki teája, élveztem, hogy milyen disszonánsan és modernen hangzik, ellentétben ezzel a régi történettel.

A háború rettenetesen visszaadja Edward Berger rendezőnek a klasszikus regényről és filmről alkotott képét.
James Friend operatőri alkotása egyensúlyt teremt a szépség és a horror között. Az előzeteseket és állóképeket nézve az a benyomásunk támad, hogy a színpaletta nem más, mint a szürke több mint ötven árnyalata. Barátnak azonban sikerül megragadnia a szépség darabjait, miközben dramatizálja a háború elsöprő léptékét. Az egyik különösen izgalmas képsor a tankokat mutatja be, amint a ködből a német lövészárkok felé emelkednek. A kamera egyszerre lenyűgözi ezeket a pusztító hajókat, és félelmetesen döbbenten közeledik főszereplőinkhez.

Íme egy utolsó kritika, aminek nagyon kevés köze van magához a filmhez, de inkább a terjesztés állapotára és a Netflix elefántjára vonatkozik a szobában. Ezt a filmet megérdemli, hogy színházban lássák, legalábbis azok, akik értékelni szeretnék. A hang megrázza az üléseket. A felhők között a színek csillogása gyönyörűen ragyog. Berger magával ragadó élményt teremtett, nem úgy, mint Sam Mendes legutóbbi 1917-es slágere vagy Christopher Nolan Dunkirkje. Minden, ami van

Az izraeli Oscar-díj nyertese, az Ophir Awards automatikusan az ország Oscar-díjaként pályázik a legjobb nemzetközi film kategóriában. Idén ez a film a Cinema Sabaya, amelyet vasárnap a New York-i Other Israel Film Festivalon mutatnak be, miután a tavalyi fesztiválon mutatták be. Ez egyben Orit Fouks Rotem filmrendezői debütálása is, aki volt olyan kedves, hogy beszéljen velem a filmkészítésről szóló lebilincselő filmhez való hozzáállásáról...

Kalm Kalm Kalm Kalm

A Cinema Sabaya sztárja a háromszoros Ophir-díjas Dana Ivgy (Zero Motivation), és ez csak a második filmje, amelyet Izrael Oscar-díjára választottak a 2002-es Broken Wings után. Ivgyt egy csoport nem színész veszi körül, akik egy vegyes zsidó és arab nőket alakítanak, akik az önkormányzati osztályokon dolgoznak, és videókészítési órát vesznek. Ez egy bensőséges film, tele gazdag alakításokkal, különösen Joanna Saidtől, aki elnyerte a legjobb női mellékszereplőnek járó Ophirt. Mióta beszéltem Rotemmel, a Cinema Sabayát a Kino Lorber megvásárolta, hogy 2023 elején moziban, digitálisan és házi videóban is megjelenjen.

Izrael Oscar-történelmének gyors felfrissítése: az ország tíz jelölést szerzett, köztük két alkalommal három egymást követő pályázatot. Footnote volt a legutóbbi jelölt 2011-ben, Foxtrot pedig 2017-ben került fel a szűkített listára. Élvezze az idei Oscar-díjasról szóló beszélgetést Rotemmel az alábbiakban: