Queen News Info

A Retrográd a legjobb film, amit Matthew Heineman készített. Legalábbis azok közül, akiket én láttam. Korábban is kritizáltam ezt az amerikai rendezőt, amiért túlságosan szó szerint vette a kissé lusta, nem fikciós kritikai kifejezést: „úgy játszik, mint egy valós thriller”, és olyan filmeket készített, mint a Cartel Land és a City of Ghosts, amelyek a téma fölé helyezték magukat. . Soha nem láttam drámai játékfilmjét: A magánháború Rosamund Pike-kal, de nem lepett meg, hogy Heineman megtette ezt az ugrást.

Ez a film, sok éven belül a harmadik, szerencsére egy lépést visszalép a természetes rendezői ösztöneihez képest. A Retrográd nagyrészt alanyait szolgálja, és nem a filmkészítőt.

Lehet, hogy ezúttal csak nagylelkűnek éreztem magam? Ki tudja megmondani, tényleg. De amikor elmesélem az afganisztáni főváros, Kabul elesését az ISIS-nek az amerikai megszállás utolsó hónapjain keresztül, van egy gravitáció, amitől felültem. Heineman és szerkesztőtársai, Timothy Grucza és Olivier Sarbil valójában meglehetősen korán felszámolnak az amerikaiakkal és zöld barettjeivel, így a narratíva az Afgán Nemzeti Hadsereg tábornokára, Sami Sadatra és saját afgán katonákból álló csapatára összpontosít. Szerencsére a szerkesztés lelassult, és a kamera érdekes képkockákon ácsorog. Amikor egy dróntámadás megöl egy afgán férfit (tálibokat vagy másokat) a film elején, hallunk némi éljenzést, de ez többnyire elkerüli, hogy Michael Bay-filmnek tűnjön. Ehelyett jobban szereti nézni azokat, akiknek az arca a legrövidebb szorongást mutatja, ha egyébként egyáltalán nem mutatnak érzelmeket. Ez az, ami a Retrográdot azonnal érdekesebbé tette számomra.

IAMN IAMN IAMN IAMN IAMN IAMN IAMN IAMN IAMN IAMN IAMN IAMN

Hasonlóképpen, ez egy olyan film, amely kritikusnak érzi az Egyesült Államok kormányát és az Afganisztán megszállásának felszámolására vonatkozó döntéseiket, miközben nem hagyja, hogy ez felemésztse a narratívát. A közönség kétségtelenül sokat fog tudni Heineman érzéseiből az üggyel kapcsolatban abból a módból, ahogyan a távozás korai jeleneteit úgy választja, hogy az egyre fokozódó borzalom előérzetén keresztül, ahogy Szadat és serege olyan csatát vív, amelyet egyre lehetetlenebbnek tűnik megnyerni. A kabuli repülőtéren a tragikus jeleneteken keresztül, amelyek felkeltették a világ figyelmét (bár röviden is), és amelyek egyben a filmet is lezárják, a Retrográd egy olyan film, amely politikailag elítéli azokat a döntéseket, amelyek az amerikai háborút valami mássá csavarták. előtt. Feltérképezi a gördülő hatásokat, ahogyan azok megtörténtek, és egyből a másik után dönti meg Szadat erőfeszítéseit, mint a dominók. Olyan hatások, amelyek még mindig érezhetők Afganisztánban és az egész világon.

A legjobb esetben Heineman meg tudja mutatni, hogyan lépnek kapcsolatba egymással ezek a háborúban álló férfiak. Nem nagyon hasonlít a Restrepo-hoz, a kedvenc háborús dokumentumfilmemhez az elmúlt évek óta, egy filmes kamerájának beágyazása a soraikba furcsa interakciókat és betekintést ad a férfi millenarianizmusba. Az egyik legizgalmasabb jelenetben egyfajta minijáték bontakozik ki két különböző rangú férfi között, akik két nagyon eltérő módon szemlélhetik romló helyzetüket. Egy másikban a férfiak arcát zuhanyozzuk, mint annak felismerését, hogy mit kérnek tőlük, mivel az ellenkezik jobb ösztöneiknek.

A filmet záró kép (rövid 94 perc) egy nő, fejkendővel, aki a kabuli repülőtér drótkapun keresztül néz, olyan tekintettel, amely egyszerre jelent aggodalmat, haragot, bosszúságot, elszakadást és a tudat pánikját. az élet valószínűleg soha többé nem lesz a régi. Ez az egyik legjobb film utolsó felvétele 2022-ben, és nagyon sokat szimbolizál abból, amit a filmben értékeltem. Ez egy zsigerbe vágó dolog, és bár biztos vagyok benne, hogy még több filmet fogunk látni erről a témáról, amelyek más egyedi és valószínűleg átfogóbb és/vagy introspektívabb perspektívákat adnak nekünk, a Retrográd sikerrel jár azáltal, hogy lehetővé teszi, hogy története gazdaságosan és szem előtt tartva jelenjen meg. biztosítva a nézők számára, hogy megértsék, hogy néhány apró választás miként képes egész országokat visszafelé vinni.

Megjelenés: Mától korlátozott számú mozikban, további bővítésekkel. Később a National Geographicon december 8-án, a Disney+-on pedig december 9-én/Hulu december 12-én mutatják be.

Díj esélyei: Nagyon erős. A National Geographic jó dolgokat szerez be, és láthatóan tudja, hogyan adja el azokat az Akadémiának. Heineman már jelölt, és azóta is bekerült a szűkített listára. Gyanítom, hogy ez felkerül a 15-ös szűkített listára, és jó választás lenne egy jelölésnél. Mégis a téma az, ami most vonzó az ágazat számára? Nehéz megmondani.

Jennifer Lawrence visszatért a képernyőre a Causewayben, amelyet most az Apple TV+-on közvetítenek. Lawrence egy tengerentúli támadásból lábadozó veteránt alakít. A film úgy kezdődik, hogy egy szakemberrel (Tony-győztes Jayne Houdyshell, aki nagyszerű munkát végez egy kis szerepben) dolgozik azon, hogy visszaszerezze az alapvető képességeket, hogy visszatérhessen a „szokásos életbe”. Amint Lynsey (Lawrence) visszatér New Orleans-i otthonába, egy világos célt tart szem előtt: visszatér az aktív szolgálathoz. Édesanyja (a Tonyra jelölt Linda Emond) az éjszakáit kint tölti italozással, és elfelejti felvenni Lynseyt, amikor megérkezik. Nyilvánvalóan zavaros a történelem köztük, de a legtöbbet kimondják – ez a film folyamatos taktikája. Mivel nem akar otthon ragadni, medencéket takarít.

HAyWA HAyWA HAyWA HAyWA HAyWA HAyWA

Amikor Lynsey teherautójának problémái vannak, találkozunk a film legérdekesebb szereplőjével, egy James nevű bolttulajdonossal (Brian Tyree Henry)...

Mindketten kiábrándultak a körülöttük lévő világból, és barátságba kezdenek. A közös jeleneteik miatt érdemes megnézni a filmet. Henry olyan finoman tár fel rétegeket karaktere előtt, hogy a film ünnepélyes elmélkedési pillanatokat ér el. A Tony- és Emmy-jelölt színész a közelmúltban több szerepben is remekül teljesített, és ismét teljesen lenyűgözőnek bizonyult.

Sajnos a film többi része ugyanolyan céltalan, mint a karakterei. Noha ez a gyászportré csodálatosan nem folyamodik olcsó drámaisághoz, a hangnem soha nem változik eléggé az elsöprő szomorúságtól. Míg Henry a kiemelkedő, Lawrence hihetően benne rejlik mélyen elnémult karakterében. Egy ilyen visszafogott főszereplő mellett túl sok jelenet árulja el nekünk azt, amit már tudunk Lynseyről. Még akkor is, ha lehetősége nyílik arra, hogy kapcsolatba lépjen az anyjával, a forgatókönyv visszahajlik a kimondatlanba. Rövid futásideje ellenére a Causeway húzódik.

Talán ez a történet jobban illett volna egy egyfelvonásos játékhoz, amely kizárólag a két központi szereplő közötti pillanatokra koncentrál. Ezek azok a pillanatok, amelyek visszhangot keltenek, de ez valószínűleg nem lesz elég a legtöbb néző számára. Kár, mert Henry újra ragyog. C-

Maria Schrader She Said című művében rengeteg dolog van, ami tetszik, de az egyik leglenyűgözőbb dolog a főszereplők kapcsolatai. Annyi nehéz, fontos dolog történik a filmben, hogy Jodi Kantor (Zoe Kazan) és Megan Twohey (Carey Mulligan) házassága elveszik a keveredésben. Olyan ritka, hogy szinte forradalmi. Nem szabad figyelmen kívül hagyni

Kantor és Twohey több hónapon keresztül vizsgálja Harvey Weinstein női alkalmazottai szexuális zaklatását. Ez üzleti utakból, hosszú órákból, valamint éjszakai vagy hétvégi hívásokból áll. A film mindent megtesz annak érdekében, hogy megmutassa mind a nőket, akik továbbra is anyák maradnak gyermekeiknek, és feleségek férjeiknek. Íme az üdítő rész: ez nem nagy baj…Yauas gasf yadba basw raf grgqa haya

Miért esik ki a normából? 100-szor láttad ezt a jelenetet. Egy szorgalmas nő jön be hosszú munkaidő után, és feldúlt férje felkiált: „Túlságosan el van ragadtatva a munkád… elfelejtetted a családodat!” Azt válaszolja: „Ez fontos!” Oda-vissza, oda-vissza. Burkolt nőgyűlölettel mond valamit, végül bocsánatot kér, a film folytatódik.

A She Saidben ennek a legcsekélyebb jele sincs. A férjek egyenrangú partnerként vigyáznak a gyerekekre. Amikor hazajönnek, nem szólnak a túlzott munkáról.

Egyszer Jodi hazajön a férjéhez (Adam Shapiro), és a napjáról kérdezi. Kicsit panaszkodik a gyerekekre és a munkájára, aztán mennek az éjszakájukra. Nincs veszekedés és nincs vita a nemi szerepekről. Egy másik jelenetben, amikor Jodi a számítógépére összpontosít, egy viccet űz azzal kapcsolatban, hogy viszonya van, hogy megnézze, figyel-e. Folytatódik a poén, játékosan nevetnek, megy tovább az élet.

A Twohey háztartás sem más. Gyermekük születése után Megan szülés utáni depresszióban szenved. Férje (Tom Pelphrey) nyugodtan tartja a babát, és megpróbálja megnyugtatni. Amikor visszatér dolgozni, hogy megbirkózzon, nincs vita vagy kifújás. A nyomozás elmélyülésével Megant hívják az éjszaka közepén, vagy sétálni a babával. Felveszi a hívásokat, és visszatér az életbe. Nincs szemforgatás, semmi sunyi megjegyzés.

Miért van ez ekkora eltérés a normától? Rendkívül ésszerű válasz egy férj számára, ha megérti a felesége munkájával járó nyomást. Főleg, ha ez a munka egy oknyomozó újságíró a világ egyik legkiemelkedőbb kirendeltségénél. Arról nem is beszélve, hogy mindkét nő kiépült kapcsolatban van. Mindkét partner tudja, hogy a nők mennyire szeretik (és jók) a munkájukat. Ennek így kell lennie.

Egy hatalmon lévő férfi szörnyű bánásmódja a nőkkel áll a történet élén, de a nők gyengéd tisztelete ellenpontozódik anélkül, hogy nyíltan sugároznák. Senki nem ugrik be tapsolni a férfiaknak, amiért egyenrangúnak tekintik partnerüket. Nem olyasmi, amire rá kell mutatnod. Ez nem lehet észbontó fejlemény. A férfiaknak nagy tisztelettel kell bánniuk feleségükkel, és meg kell osztaniuk kapcsolatuk felelősségét.

Jól dokumentált: a reprezentáció fontos. Ez a két nő független, kitartó, szorgalmas és intelligens. Ők is házasok. A kettőnek nem kell kizárnia egymást. Minden kapcsolat tiszteletre és megértésre épül. Az egészséges kapcsolat ábrázolása létfontosságú, különösen egy ilyen történetben.

Muszáj ilyen frissítőnek lennie? Nem lehet, hogy ez csak a norma, amikor egy férfi tiszteli a nőt azért, aki és amit csinál? A film nem csinál belőle nagy ügyet, és nem is kellene annak lennie. Sajnos ez még mindig nagyon nagy dolog a hollywoodi filmeknél.

Álmodhatnak-e a szamarak a mennyországról? Az ember reméli, mert nem kell álmos fantáziában keresniük a poklot – ébren élik meg minden nap. Az emberi kegyetlenség által meghatározott világ álmokat kíván valami jobbról, valamiről, ami túlmutat a fájdalmon. Ez a béke, a szeretet, az öröm állapota? Talán piros.

Az EO minden pirossal kezdődik. A skarlátvörös fényben fürdő bőr érinti a szőrt, emberi kéz az állat testén, transz-szerű koreográfia, amely egyszerre intim és nyilvános. Ezekben az érintésekben van egy olyan közelség, amely meghaladja fizikai lágyságukat, egy szépség, amely több, mint puszta előadás a cirkuszi közönség számára – ez a mennyország, amiről beszéltünk, de talán ez is a pokol. Piros marad, emlék, talán álmodozás. Az álmok más néven rémálmok, és az EO is az, mind rémálom, mind álom a kezdetektől fogva…KADAS KADAS KADAS KADAS KADAS KADAS

Ettől kezdve az EO a bressoni ihletésű Au Hasard Balthazarhoz hasonlóan bontakozik ki, részletezi a kereszt stációit újrakeverve és újrakeverve, szamár képére átdolgozva. Pikareszk utazásai során a cirkuszi szamár, akit aktivista fellépéssel elvettek a trénerétől, gazdáról gazdára jut, egyik tragikus sorstól a másikig, ami még rosszabb. A krisztusi szenvedés állandó, akkor is felmerül, ha a fájdalom távol van, mivel a szamár bundáján kereszt alakú jelek, sötét foltok vannak, amelyek kereszt alakját alkotják. És mégis, Jerzy Skolimowski rendező tévedés lenne pusztán allegorikusnak tekinteni a lényt. EO-jának lehetnek bizonyos Istenfia-jellemzői anélkül, hogy alaptermészetét feláldozná a szimbolizmusnak.

Más szóval, soha nem több metafora, mint élő, lélegző állat. Ez a durva valóság megakadályozza, hogy a film legvirágosabb olvasmányai túl messzire menjenek a mozinézés, mint rejtvényfejtés földjére. Az állat zsigeri élménye soha nem vész el, fizikai jelenléte soha nem túl elvont, még akkor sem, ha az azt keretező formalista konstrukciók megvadulnak. Valóban, Skolimowski, aki az 1960-as évek európai élcsapataiból indult, találékonyabb, mint valaha, és egy csúnya kis provokátor. Ahelyett, hogy a filmes stílus csúcsait az emberi nézőponthoz vagy a nyíltabb vallási értelmezésekhez igazítaná, az ellenkezőjét teszi.

Sok jelenet van az EO-ról egyedül vagy más állatokkal való kommunikációban, és minél inkább egy emberek nélküli világ mélyén vagyunk, annál szokatlanabb lesz a film. A lökés és a húzás olyan tökéletesen elnyeli, hogy eljön az a pont, amikor az ember retteg minden emberi szereplőtől. Nem, az EO meneküljön előlük – a képernyőnek több hallucinációs pompa kell, több bíborvörös árnyalatú erdő, patakok, amelyek a Vadász éjszakáját idézik, olyan kameramozgások, amelyeknek lehetetlennek kellene lenniük, de valahogy nem. Mire Isabelle Huppert felbukkan, karaktere inkább akadály, mint bármi más, olyan tónusváltás, amely mintha kimetszését kérné. Kiabálni akarsz a képernyővel, hogy menjen el.

Káromlásnak kell tűnnie, ha azt kívánom, bárcsak egy film a nagy francia színésznő nélkül lenne, de az istenkáromlás a játék neve éppúgy, mint a spirituális transzcendencia. De persze ez az utolsó darab csak akkor érhető el, ha a mozi egyházának tekinti magát. A vérré változott bort nem szabad elfogyasztani, és nem veszíthetünk időt a metaforikus húsú ostyákkal. Így hát ki a metaforákból és az extázisból, hogy egy mesterfilmes 84 évesen hajlandó kísérletezni, tévesnek bizonyítva azt a mondást, miszerint egyetlen rendező sem készíti el a legjobb filmjét későn. Köszönetet kell mondanunk Michal Dymek operatőrnek, Pawel Mykietyn zeneszerzőnek, Agnieszka Glinska vágónak és sok más csodatévőnek az EO mögött.

Elolvasva, amit eddig írtam, nehéz nem görcsölni az egész puszta igényességén. Mégis, a nevetséges kifejezéssel együtt az őszinteség is jár. Ebben az értékelésben minden szót úgy értem, mindegyik a szívem mélyéről szól. Az EO nézése elbűvölő élmény volt, az a fajta dolog, amikor úgy érzed, hogy egy film súlya nehezedik rád, és a képek és a megdöbbentő hangok erejével kiszorítja a levegőt a tüdődből. Félelmetesen leírják ezt a tökéletesen tökéletlen filmet, amelynek minden szerencsétlen választását a valaha látott legszürreálisabb szar ellensúlyozza. Még csak nem is az a megfelelő szürrealizmus, amit ábrázol, hanem az, ahogyan ezt teszi, mindig a vörös árnyalataiban nyúl a filmes fenségeshez.

Minden idők legjobb női rockgitárosai mindig vita tárgyát képezik, mert alig kapnak nyilvánosságot. A női zenészek általában csak akkor derülnek ki, ha énekesek, ami szégyen. A műfaj azonban sok tehetséges zenészt hozott létre ezen a téren.

Érdemes kiemelni, hogy a legjobb női rockgitárosok jelentősen változhatnak. Például van, amelyik nehezebb, van, amelyik mákosabb, és van, amelyik inkább középen van. Bárhogy is legyen, a minőség a lényeg, és ezeknek a hölgyeknek ez van.

Ez a lista szintén nincs különösebb sorrendben. Szóval, ha zavar, mert valamelyik gitáros, akit kedvelt, nem kapott magasabb rangot, ne aggódjon. Itt az számít, hogy a legjobb női rockgitárosoknak megadjuk a megérdemelt elismerést.

Tartalom
Legjobb női rockgitárosok
Ez minden idők 15 legjobb női rockgitárosa. Eredményeik, a gitár hangszer minősége és a benne szereplő dalok alapján választották ki őket. Persze, mindez szubjektív, és van értelme, ha egyesek nem értenek egyet ezzel a listával. A minőség és a zene azonban mindig a néző szemében van.

Itt olvashatod mindenkori heavy metal énekesnőinket is.

Ki minden idők 15 legjobb női rockgitárosa?
Nita Strauss
Joan Jett
Lita Ford
Orianthi Panagiris
Kelly Johnson
Courtney Cox
Janice Lynn
Nancy Wilson
Larissa Ernst
Jennifer Batten
Romana Kalkuhl
Gina Gleason
Miyako
Yuki
Yui
1. Nita Strauss
Nita Strauss
Nita Strauss
Nita Straussnak mindig ezen a listán kellett lennie. Valószínűleg jelenleg ő a legismertebb rockgitáros, és ennek jó oka van: a zenei készség és a hozzáállás kombinációja nagyon vonzóvá teszi. És amikor ennyiféle stílusban tudsz játszani, az is nagyon vonzó.

Természetesen Nita nagyon ismertté vált a műfajban az Alice Cooperrel végzett munkája miatt. Egy ilyen legendás zenésszel együtt játszani tökéletes példa arra, hogy mennyit emelkedett a ranglétrán. 2019-ben az Alice egykori gitárosával, Kane Robertsszel is játszott, és a Metal Allegiance-szel is dolgozott.

Nitának szólókarrierje is volt, ami sokkal több figyelmet érdemel. Nagyon jó kombinációja az iratmegsemmisítőnek és a dallamlejátszónak, amit mindig szórakoztató hallgatni. A fenébe is, az a tény, hogy el tud játszani Demi Lovatoval, és még mindig a metálban van utcai hitével, az azt jelenti, hogy jó.

Az utóbbi idők egyik legjobb női rockgitárosa, és minden elismerést megérdemel, amit megérdemel.

2. Joan Jett
Joan Jett
Joan Jett
Joan Jett a „Rock and Roll királynője” nevet kapta, és eredményei magukért beszélnek. Az a tény, hogy ő volt a The Runaways alapító tagja, elegendő ahhoz, hogy felkerüljön erre a listára. Mindazonáltal egyéni előadói pályafutásán keresztül igazán ragyog.

A Runaways olyan gyorsan szétesett, ahogy felrobbant a hetvenes évek végén, és Joan megalapította zenekarát, a Joan Jett & The Blackhearts-t. Ezen a projekten keresztül érte el a legtöbb slágerét, beleértve az „I Love Rock’n Roll” legendás feldolgozását 1982-ben.

Nem lesz minden idők legjobb női rockgitárosainak tagja a képességei miatt (ami nem is túl kopott). Hozzáállása, kemény személyisége és karizmája bebizonyította, hogy a nők ebben a műfajban kemények és nehezek is tudnak lenni. Ez, párosulva egyedi hangjával és dalszerzőjével, műfaji legendává tette.

Nagyon kevés nőnek van olyan öröksége és befolyása, mint Joan Jett a rockzenében. A műfaj egyik abszolút legendája.

KALOng KALOng KALOng KALOng KALOng

3. Lita Ford
Lita Ford
Lita Ford
Most, hogy Joan Jettet emlegették, a The Runaways zenekartársát, Lita Fordot kell mondanunk.

Lita Ford volt a The Runaways legsúlyosabb és leginkább fémközpontú tagja, ami egyéni karrierjében is megmutatkozott. Míg Jett és Ford is nagy sikert aratott ezzel a bandával, szólóművészként a 80-as években tudtak igazán ragyogni.

Lita esetében el kell mondanunk, hogy először gitárosként látta magát. Az évek során bebizonyította, hogy elég jól tud énekelni, de a gitározása a fő célja. Korábbi, 80-as évekbeli munkái megmutatják, milyen jó volt.

Sok slágere volt a 80-as években, pályafutásának ez az időszaka, amit a legtöbben ismernek. 1983-as albuma, az Out for Blood azonban az egyik legnehezebb műve, és sokkal több figyelmet érdemel.

Joan Jetthez hasonlóan az egyik legjobb női rockgitáros szerepe is több mint megérdemelt. Szóval a helye több mint megérdemelt.

4. Orianthi Panagaris
Orianthi Panagaris
Orianthi Panagaris
Az Orianthi Panagaris Ausztrália nagy diadala a legjobb női rockgitárosok számára. Kezdetben azzal szerzett magának hírnevet, hogy Michael Jacksonnal játszott, és egészen a This Is It turnéra készült.